Último do Ano

E eis que chegamos ao final de 2007! Para os internautas que não acompanham o blog desde sua criação, um pequeno retrospecto: o blog do Adoro Cinema foi criado originalmente com o objetivo de agilizar a cobertura do último Festival do Rio. Com o fim do evento (e a boa receptividade de vocês), foi mantido como um espaço aberto para comentar filmes, notícias, frases, situações, enfim, para abrigar tudo que não cabia no formato limitado das colunas.

E a experiência tem sido muito legal, justamente pela possibilidade de receber um retorno imediato dos leitores. Elogios, sugestões, concordâncias, discordâncias, puxões de orelha, perguntas, desabafos, tudo é sempre bem-vindo (tirando os insultos e ameaças de morte, é claro). Os pontos de vista mostrados nem sempre são de acordo com os da maioria, como pode ser visto na enxurrada de opiniões contrárias postadas sobre o filme P.S. Eu Te Amo. Totalmente válidas. As críticas aqui escritas expressam a opinião do colunista, que não pretende ser a única nem a melhor. E o debate saudável é um dos objetivos do blog.

O ano que termina foi bom também para o cinema nacional. Pelo menos três filmes excepcionais passaram por nossas telonas: Tropa de Elite, O Cheiro do Ralo e Batismo de Sangue. Além desta trinca, vale ressaltar o irreverente Saneamento Básico, O Filme, o belo Não Por Acaso, o divertido Podecrer!, o contundente Querô e o lírico A Via Láctea. E tudo indica que em 2008 o cinema brasileiro continuará dando o que falar, já que na próxima sexta estréia o aguardado Meu Nome não é Johnny (crítica do filme no Adoro Cinema).

No mais, escrevo este último post de 2007 satisfeita com o que já foi construído e ansiosa pelo que está por vir no próximo ano. Deixo os cumprimentos também em nome do Francisco Russo, que está viajando, mas logo estará de volta. E continuem participando. Sempre.

Bom Ano-Novo e até 2008!!!

Brasil em Berlim

O Festival de Berlim 2008, que acontecerá entre 7 e 17 de fevereiro e tem Tropa de Elite como um dos competidores oficiais, acaba de ganhar mais um representante brasileiro. Trata-se de Maré, Nossa História de Amor, de Lúcia Murat, que será exibido na mostra Panorama. Vale lembrar que os filmes exibidos nesta mostra não concorrem aos prêmios oficiais, apenas ao prêmio do público.

Maré, Nossa História de Amor, a exemplo do clássico Amor, Sublime Amor, é uma versão contemporânea e musical da história de Romeu e Julieta e tem como cenário a Favela da Maré, dividida pela disputa entre duas facções criminosas. No meio da guerra urbana, Analídia e Jonatha se conhecem num grupo de dança da comunidade e desafiam o apartheid imposto pelo tráfico ao se apaixonarem.

O filme, inédito em circuito, foi exibido no Festival do Rio 2007.

Ficha de Maré, Nossa História de Amor no Adoro Cinema

O Nome Dele Não é Johnny 2

“Quando eu tô de férias, eu fico vagabundo. E como eu não quero desfilar na São Paulo Fashion Week, eu fico gordinho mesmo e depois corro atrás do prejuízo. Como o que eu quero, tomo o chopinho e tá tudo bem.”

(Selton Mello responde com incrível bom humor à provocação de que ele estaria acima do peso)

Moderação

Algumas pessoas vêem com desconfiança o fato das mensagens dos internautas serem moderadas pela equipe do site. Mas basta dar uma olhada pelos comentários deixados desde a criação do blog para entender que opiniões discordantes são não apenas toleradas como bem-vindas. O objetivo de um blog é o debate mesmo, para expor unilateralmente nossa opinião já existem as colunas. Todos os comentários que dizem respeito a cinema são aprovados, mas é óbvio que isso não inclui xingamentos e/ou ofensas, spams e coisas do gênero.

O Nome Dele Não é Johnny

Coletiva de imprensa do aguardado Meu Nome não é Johnny. Segundo informações da assessoria, deveriam estar presentes os astros Selton Mello e Cleo Pires, o diretor Mauro Lima e a produtora Mariza Leão, além, é claro, de João Guilherme Estrella - o próprio Johhny. Chegando lá, começam as baixas: a produtora e o diretor tiveram contratempos de última hora e não puderam comparecer. Algum tempo depois, somos informados de que Cleo Pires (que estava presente no local, sendo entrevistada e fotografada) também não poderia ficar para a coletiva. Das cinco pessoas anunciadas, restavam duas. A boa surpresa é que as duas que ficaram foram responsáveis por um excelente papo. João Estrella, biografado do filme, é uma figura muito simpática e que fala com bastante sinceridade sobre seu passado de sexo, drogas e rock’n’roll. E Selton Mello, além de ser um grandes atores do Brasil, é uma dessas raras pessoas que aliam conhecimento profundo de seu ofício com uma irreverência cativante. Mesmo com visível cansaço físico (tinha chegado de viagem e dali seguia direto para a pré-estréia), o ator se mostrou tão descontraído como o vemos no seu programa Tarja Preta. Seguem dois exemplos:

“Meu primeiro grande personagem no cinema foi no filme Guerra de Canudos. Porque nos primeiros filmes que eu fazia, eu sempre morria no início. Era um trauma que eu tinha, eu nunca passava dos dez minutos. Então, meu sonho era chegar até o final de um filme. No Guerra de Canudos eu morri, mas morri no fim. Fiquei uma hora e meia em cena.”

(Selton explica o carinho que tem por Mariza Leão, produtora de Meu Nome Não é Johnny e Guerra de Canudos)

“Tô acordadíssimo, hein, cara? Dormi cedo, tô pensando bem…”

(Espantado com a própria lucidez após dar uma resposta mais elaborada)

Em tempo: Meu Nome Não é Johnny estréia no dia 4 de janeiro. Aguardem mais comentários aqui no site.

P.S. Eu Te Amo

Holly Kennedy é casada com o amor de sua vida: Gerry, um irlandês engraçado, intenso e impetuoso. Quando ele morre aos 35 anos, devido a um tumor cerebral, Holly mergulha numa forte depressão. Até que, no dia de seu aniversário de 30 anos, ela recebe um bolo acompanhado de uma fita que Gerry gravou antes de morrer. Nela, ele exige que ela saia para se divertir e adverte que enviará periodicamente cartas com instruções que ela deve seguir sem hesitar. A partir daí, Holly passa a receber cartas onde Gerry a incentiva a tomar novos rumos na vida, viver aventuras e se redescobrir. Em comum, o fato de todas as mensagens terminarem com “P.S. Eu Te Amo”.

Confesso que já fui munida de uma certa má-vontade porque um filme com um título ridículo desses já é motivo para me deixar ressabiada - e nem adianta culpar os distribuidores, porque a tradução do original é literal. Mas às vezes as aparências enganam e, sinceramente, eu torcia para isso. Infelizmente, a primeira impressão foi a que vingou. P.S. Eu Te Amo é bastante problemático e confuso em suas intenções: tenta fazer graça e ser profundo emocionalmente e fracassa em ambos os caminhos. O roteiro parece um daqueles exercícios de curso de inglês, de “preencha as lacunas”, como se seguisse uma lista pré-determinada de situações que costumam acontecer em filmes românticos. Não há um desenvolvimento psicológico dos personagens. Num momento, Holly está arrasada, sem querer tomar banho nem falar com ninguém. Aí o marido morto diz numa fita que ela precisa se divertir no seu aniversário e dali a pouco ela já está bebendo todas e requebrando numa boate gay. Quem faria uma coisa dessas, considerando que seu desespero fosse genuíno?

Mas a pouca plausibilidade não é o único defeito do filme, que se alonga nas tais cartas que parecem nunca terminar de chegar. De novo, a sensação incômoda de que o roteiro está cumprindo etapas e seguindo fórmulas manjadíssimas. Enquanto isso, a protagonista vai fazendo tudo que o defunto manda: pagar mico no karaokê, viajar, comprar roupa nova. Peraí, é um filme ou uma gincana? Ao redor da viúva sonâmbula, completam o time os tipos mais estereotipados: a sogra que implica com o genro até depois de morto; a amiga que diz que gosta de usar os homens, mas está doida para casar; o cara atrapalhado e rude que, no fundo, é gente boa… e por aí vai.

Hilary Swank, grande atriz e dona de dois Oscars, tem que administrar melhor sua carreira. Não bastasse ter trabalhado em A Colheita do Mal - um dos piores filmes do ano -, ainda completa a dose com este aqui que, se não chega a ser um desastre tão grande, obviamente está muito aquém do calibre de uma atriz talentosa como ela. Detalhe: o diretor Richard LaGravanese e Hilary haviam acabado de trabalhar juntos no inédito por aqui Escritores da Liberdade – outro que parece ter sido um fiasco. Por que ela insiste nessa parceria? Gerard Butler, ainda colhendo os louros do rei Leônidas de 300, é outro que podia ter dispensado esse cachê, apesar do papel de irlandês falastrão e incrivelmente charmoso ter lhe caído como uma luva – Butler é, na verdade, escocês. Resumindo: atores bem escalados e belas paisagens irlandesas é o que podemos apontar de positivo em P.S. Eu Te Amo. E isso é muito pouco para que um filme funcione.

Estréia aqui dia 4 de janeiro.

Frase do Dia

“Graças a Deus a indústria cinematográfica é maluca. São todos um bando de
sociopatas.”

(Tim Burton explicando como conseguiu realizar o sangrento musical Sweeney Todd sem concessões)

Império dos Sonhos

Uma história de mistério. No coração deste mistério, uma mulher apaixonada e completamente atormentada.

As enigmáticas palavras acima foram a primeira sinopse divulgada, por ocasião do Festival do Rio, de Império dos Sonhos. Chamava a atenção o fato de usarem duas frases para descrever um filme de quase três horas. Após assistir a essa nova viagem de David Lynch, dá para entender o porquê.

Imaginem a seguinte abertura: chuviscos vindos de uma televisão fora de sintonia, numa alusão ao começo de Twin Peaks: Os Últimos Dias de Laura Palmer. Logo a seguir, uma mulher chorando (alusão ao Llorando de Cidade dos Sonhos?) assiste a uma esquisitíssima sitcom protagonizada por pessoas vestidas de coelhos que dizem frases dramáticas e desconexas enquanto uma claque ri descontroladamente. Aliás, essa sitcom bizarra é, na verdade, um curta chamado Rabbits (disponível na internet) que originalmente deveria preceder o filme.

Quando a personagem de Laura Dern entra em cena, parece que as coisas começarão a fazer sentido. E fazem… Por cerca de vinte minutos. Laura é a atriz Nikki Grace, que descobre que o filme que está prestes a rodar é, na verdade, remake de uma produção inacabada considerada maldita porque os protagonistas foram assassinados. A partir daí, à medida que o filme avança, a fronteira entre realidade, ficção e puro delírio será cada vez mais tênue.

Certamente não foi por acaso que David Lynch tocou no tema do remake. Ao longo dos tortuosos 172 minutos de Império dos Sonhos, tem-se a impressão de estar visitando a obra do cineasta. De uma maneira perversamente cubista, é claro. Personagens de filmes anteriores reaparecem, situações soam familiares, diálogos são reinventados. Tudo se aproveita, nada se encaixa. O espectador não sabe quando a atriz está dentro do filme. Nem ela mesma sabe. A iluminação no começo tem luz saturada, depois passa a ser avermelhada e escura. Os closes, dignos do bom surrealismo alemão, deformam o rosto dos atores. O estilo do filme e das interpretações passeia pelos gêneros cinematográficos: começa pelo artificialismo dos seriados antigos, flerta com o noir, bebe na fonte do dramalhão mexicano e usa música de terror. Às vezes, um de cada vez; outras vezes, tudo ao mesmo tempo.

É cansativo. Vamos ser francos. Depois de uns quarenta minutos, comecei a ouvir ocasionalmente os barulhos de assentos voltando à posição normal. Várias pessoas, em especial as mais idosas, abandonaram a sala de projeção. Um casal sai resmungando ruidosamente. Eu me mexia, muitas vezes derivava para pensar em outros assuntos, brigava com o cansaço. O próprio David Lynch declarou que inicialmente não sabia se Império dos Sonhos chegaria a se converter num filme.

Ele teve algumas idéias e resolveu filmá-las em digital, sem compromisso de que as cenas tivessem alguma seqüência ou ligação. O ponto de partida de tudo foi uma conversa que teve com Laura Dern, quando ela disse que seu marido era de Inland Empire (título original do longa) e o cineasta gostou do som da expressão. Aliás, uma cena interessante é quando a personagem de Dern vai num talk show comandado por uma perua inconveniente interpretada por Diane Ladd – sua mãe na vida real.

É claro que a obra de Lynch sempre foi marcada pelo bizarro, mas havia um forte sentido em todos os seus filmes anteriores. O polêmico Cidade dos Sonhos pode ser aberto a diversas interpretações, mas está longe de ser aleatório. Fica claro a interligação entre as duas metades do longa. Em Império dos Sonhos, o surrealismo predomina, tornando-o um filme hermético e no qual é muito difícil concentrar a atenção. Um exercício de paciência.

Ficha de Império dos Sonhos no Adoro Cinema

Simplicidade Impressionante

“Já tinham me chamado para fazer outros papéis no exterior sim. Pequenas
participações, é claro. Ué, por quê? Porque lá fora é diferente.”

(da diva Fernanda Montenegro, falando a Jô Soares sobre sua participação na produção internacional O Amor nos Tempos do Cólera)

Globo de Ouro - As Atrizes

O Globo de Ouro acaba sendo uma pré-lista do Oscar, já que sua divisão em categorias distintas permite o dobro de indicações. Muitas vezes, nenhuma das atrizes indicadas na categoria musical ou comédia migra para o Oscar (por isso, muita gente considera a indicação por drama mais garantida). Pode ser, mas eu tenho minhas dúvidas.

Dentre as atrizes dramáticas, sinto no ar uma boa chance para Angelina Jolie. A moça é engajada, bonita e boa atriz, ou seja, uma figura altamente premiável. Só faltava um papel de peso, que ligasse sua imagem da vida real à sua imagem nas telas. Já Cate Blanchett concorre como coadjuvante também e, nesses casos, há uma tendência a levar o segundo. Mesmo porque sua performance como uma das facetas de Bob Dylan em I’m Not There é de cair o queixo. Jodie Foster - além de já ter sido muito premiada - concorre por um filme mediano. Julie Christie é outra que tem contra si o fato de seu filme não ser muito conhecido. Keira Knightley… Essa tem que dar pulinhos pela indicação, que já tá bom demais.

Na categoria musical ou comédia, a inclusão da impressionante Marion Cotillard dificulta a vida de suas concorrentes. Seu trabalho é mais que atuação, é incorporação. Do mesmo nível de Philip Seymour Hoffman como Truman Capote ou Jamie Foxx como Ray Charles. Mas, cá entre nós, Piaf estar aqui é absurdo. É como comentei no post anterior, não importa se a vida de Edith Piaf foi uma das mais trágicas do showbiz. Biografia de cantora… O filme é um musical. Mas caso a HFPA prefira premiar uma atriz que fale inglês, é uma boa hora para prestigiar a sempre ótima Helena Bonham Carter, já que Amy Adams e Nikki Blonsky (apesar de ótimas) se encaixam naquele perfil de atrizes em que a indicação já é prêmio e Ellen Page é outra que concorre por um filme de pouco peso.

Entre as coadjuvantes, não vejo ninguém que possa atrapalhar a vitória de Cate Blanchett. Cravo meu palpite nela sem dúvida nenhuma.

Globo de Ouro - Os Atores

Analisar os atores em papéis dramáticos esbarra no mesmo empecilho de seus filmes: apenas a performance de George Clooney (Conduta de Risco) pode ser vista no momento. E a respeito dela, pode-se dizer que é boa porém nada fora do normal. Considerando o histórico de seus concorrentes, a briga vai ser boa: Daniel Day-Lewis e Denzel Washington estão sempre bem na tela - mesmo quando o filme não é grande coisa -, enquanto James McAvoy e Viggo Mortensen vêm de bons trabalhos anteriores (O Último Rei da Escócia e Marcas da Violência, respectivamente).

Sobre a categoria comédia ou musical, corro o risco de me tornar repetitiva, mas tenho que bater nessa tecla: quando é que as repetidas indicações de Johnny Depp se converterão em prêmios? De Sweeney Todd só vi o trailer e isso bastou. Pelo amor de Deus, prestigiem o melhor e mais versátil ator do momento. Mas opinião objetiva mesmo não posso dar, já que os cinco atores concorrem por filmes ainda inéditos por aqui. Os concorrentes de Depp são Ryan Gosling, Tom Hanks, Philip Seymour Hoffman e John C. Reilly. Todos bons atores. Talvez Philip Seymour Hoffman leve desvantagem por já ter sido premiado recentemente e também concorrer como coadjuvante.

Dentre os coadjuvantes, a briga é ainda mais feia. Casey Affleck está carismático e terrível como o assassino circunstancial de O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford, Tom Wilkinson está comovente e perturbador em Conduta de Risco e John Travolta é uma explosão de simpatia e alegria em Hairspray. Completando o time (em filmes ainda inéditos), Javier Bardem e Philip Seymour Hoffman são sempre candidatos que devem ser levados a sério. Eu apostaria em John Travolta, pela seriedade com que ele conduziu a personagem Edna Turnblad. Uma atuação fora do tom transformaria a adorável matrona numa drag queen.

Globo de Ouro - Os Filmes

A categoria musical/comédia costuma ser meio esvaziada e, volta e meia, premia filmes que se encaixariam melhor como drama simplesmente para tentar equilibrar a disputa (caso de Johnny & June, um indiscutível drama que foi classificado como musical apenas por se tratar da biografia do músico Johnny Cash). Mas este ano temos três musicais de fato: os ótimos Across the Universe e Hairspray e o ainda inédito Sweeney Todd. Completam a lista Charlie Wilson’s War (aparentemente, um filme de espionagem) e a comédia Juno. A disputa promete, mas é bem provável que a coisa fica entre Hairspray e Sweeney Todd.

Já na categoria drama, nada menos que sete filmes brigam pela estatueta. O único passível de ser conferido no momento é Conduta de Risco, que dificilmente será o premiado. Permanecem inéditos os outros seis. Considerando que estão aí incluídos os novos trabalhos de Ridley Scott, irmãos Coen, David Cronenberg e Paul Thomas Anderson, fica impossível arriscar um palpite.

Dentre os filmes em língua estrangeira, mais uma constatação: nenhum brasileiro no páreo. Dos cinco indicados, três foram exibidos no último Festival do Rio: o romeno 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias, o francês O Escafandro e a Borboleta e o taiwanês Lust, Caution. Completam a lista o também francês Persepolis e a versão para a telona do best-seller O Caçador de Pipas, pelos Estados Unidos. Mesmo sem ter visto os dois últimos, meu voto é, sem hesitação, para Lust, Caution – que, aliás, não pode concorrer ao Oscar por questões técnicas.

Um Amor Jovem

Adaptado e dirigido por Ethan Hawke a partir de seu próprio romance homônimo, Um Amor Jovem (The Hottest State, no original) acompanha os poucos altos e muitos baixos do primeiro amor de William. Tendo nas costas o trauma de ter sido afastado do pai que tanto adorava aos oito anos, devido à decisão da mãe de deixar o Texas e mudar-se para Nova Iorque, aos vinte anos William é um jovem carente e intenso. Ele se encanta pela confusa e instável Sarah e, em menos de uma semana, os dois já vivem juntos e estão totalmente envolvidos. Mas, como ele mesmo diz no início do longa, seu coração será partido antes que ele complete 21, já que sua amada alterna momentos de carinho e entrega com períodos cada vez mais constantes de indiferença.

O protagonista é uma figura que daria uma boa tragédia rodrigueana, caso essa história fosse escrita pelo nosso dramaturgo maior. William ama com tanta intensidade e busca com tanto empenho ser retribuído que acaba por assustar Sarah, fazendo com que ela se retraia com seu ardor. O mais interessante nisso tudo é que tem-se a nítida impressão de que Ethan Hawke fez mais do que levar para as telonas seu romance: levou muito de si próprio, numa curiosa terapia pública. Quem já viu entrevistas do ator (especialmente na época em que ele estava arrasado pelo fim de seu casamento com Uma Thurman) sabe que ele é bem parecido com o personagem. Aliás, Mark Webber (de Querida Wendy) chega até a lembrar fisicamente Hawke quando mais jovem. Quem tiver dúvidas, basta dar uma olhada no ator implorando o amor de Gwyneth Paltrow em Grandes Esperanças.

A história acompanha todas as fases do sofrido romance de William e Sarah, do encantamento à desilusão. Algumas vezes, cansa pelo excesso instabilidade da moça. Suas mudanças de atitude, além de bruscas, são praticamente diárias. Num momento, ela quer casar com ele; no outro, recebe-o de volta de uma viagem com uma frieza inexplicável. O roteiro até tenta explicar o porquê dela ser tão arisca, mas não se aprofunda muito. E quanto mais ela pisa, mais submisso ele se mostra. Está certo que existem relações assim, mas a seriedade com que tudo é mostrado faz o filme ficar engessado em alguns momentos. Igual a Tudo na Vida, de Woody Allen, tem uma trama parecida, porém temperada com humor. O engraçado é que em uma cena William acusa Sarah de não ter humor, o que ele (e o filme) tampouco possuem. Existem, ainda, cenas que escorregam na obviedade e pouco acrescentam à história. Um bom exemplo é quando William grita versos de Romeu e Julieta debaixo da janela de Sarah. Desnecessário.

Um Amor Jovem (péssimo título em português, por sinal) é um filme de ritmo pesado e tem alguns problemas de roteiro, mas pode-se creditar isso na conta de Ethan Hawke como meros tropeços de diretor pouco experiente. A seu favor, pode-se dizer que trata-se de um filme honesto, com bastante conteúdo e que, não raro, alcança seqüências realmente poéticas. Faltou apenas cuidar melhor do formato. Vale conferir e ficar de olho nos projetos futuros do ator/diretor/escritor. A curiosidade para os brasileiros fica com Sônia Braga interpretando a mãe de Catalina Sandino Moreno. Estréia sexta-feira.

Títulos D'Além-mar

Apesar da língua ser a mesma, é bastante comum que um mesmo filme tenha títulos diferentes no Brasil e em Portugal. Geralmente em terras lusitanas se segue mais a tradução literal, mas ainda assim volta e meia surge algo surpreendente. Segue alguns casos:

Título no Brasil / Título Original / Título em Portugal:

- Antes só do que Mal Casado / The Heartbreak Kid / O Mal Casado
- Deu a Louca na Cinderela / Happily N’Ever After / E Não Viveram Felizes para Sempre
- Mandando Bala / Shoot’em Up / Atirar a Matar
- Encantada / Enchanted / Uma História de Encantar
- Valente / The Brave One / A Estranha em Mim
- Os Fugitivos / Lonely Hearts / Corações Solitários
- Leões e Cordeiros / Lions for Lambs / Peões em Jogo
- Senhores do Crime / Eastern Promises / Promessas Perigosas

Novo Mundo

Os Estados Unidos sempre venderam ao mundo sua imagem de “terra das oportunidades”, como se o país fosse uma mãe bonachona a acolher todos que lá quisessem fincar suas raízes. Se hoje em dia os imigrantes não são bem-vindos, seria uma conseqüência dos perigos do terrorismo. Acredite quem quiser. Um dos grandes méritos de Novo Mundo é esclarecer o quanto sempre foi enganosa essa imagem.

A história começa na Sicília do início do século XX. Salvatore Mancuso, cansado de tanta aridez, sonha com uma vida melhor no chamado Novo Mundo. Vende seus poucos bens e embarca numa insalubre terceira classe de navio com os dois filhos e a mãe rumo a Nova Iorque, porta de entrada dos imigrantes na época. Mas a difícil viagem é apenas a primeira de suas provações e logo Salvatore descobrirá a diferença entre a América real e aquela que ele idealizava.

Em seu quarto filme, o diretor e roteirista Emanuele Crialese faz uma feroz crítica ao modo como os iludidos imigrantes eram tratados ao chegar aos Estados Unidos. O país queria acolher europeus sim, mas preferencialmente aqueles que tivessem algo a acrescentar. Os homens mais inteligentes e/ou mais fortes, as mulheres mais bonitas, etc. O que nos faz pensar que realmente pouca coisa mudou em cem anos.

Também é bem realista o modo como o filme acompanha a travessia dos personagens. Os bons figurinos e a excelente direção de arte colocam o espectador dentro do navio, com a sensação de estar compartilhando das mesmas agruras. Uma pena que a situação se alongue além do necessário, tornando um pouco cansativo o miolo do filme. Talvez tenha sido intencional, para dar a medida exata de como aquelas pessoas se exauriam para chegar à América, mas, ainda assim, um pouco de dinamismo não faria mal algum ao longa. Outro aspecto desnecessário é a constante representação das fantasias que Salvatore tem a respeito do Novo Mundo. Mesmo porque todo o filme tem uma abordagem de cinemão clássico que não combina com aqueles toques surrealistas.

Novo Mundo foi o representante da Itália para o último Oscar, mas não obteve indicação. Não chega a ser uma obra-prima, mas é um bom filme.

Ficha de Novo Mundo no Adoro Cinema

Roteiristas Continuarão de Braços Cruzados

E continua a novela. Segundo a agência de notícias EFE, as negociações entre produtores e roteiristas de Hollywood foram interrompidas na última sexta-feira, após quatro dias de negociações. A Aliança de Produtores de Cinema e Televisão (AMPTP) acusa os representantes do Sindicato de Roteiristas de terem boicotado a negociação. Já o sindicato alega que os produtores não apresentaram nenhuma nova proposta para resolver o conflito, que já dura cinco semanas. O mais estranho nisso tudo é o fato dessa interrupção ter acontecido logo após as duas partes terem afirmado que estavam em vias de chegar a um acordo. Diversas produções já foram engavetadas por conta do impasse. É certamente a crise trabalhista mais séria da história da indústria hollywoodiana.

Bee Movie - A História de uma Abelha

Tem sido tão frequente o uso de animais falantes nos longa-metragens de animação, e tantos têm sido os lançamentos deste tipo, que os novos filmes precisam ter algum diferencial que os tire do lugar comum. Bee Movie até tenta em alguns momentos, mas fica nítido que a necessidade de ser um blockbuster impede que seja mais ousado. E este é o grande problema do filme.

Jerry Seinfeld é endeusado pela finada série “Seinfeld”, exibida entre 1990 e 1998. Era a famosa série sobre nada, com piadas sobre situações de cotidiano e nonsense, obviamente voltada para o público adulto. De um filme de animação que tem como maior destaque a participação de Seinfeld, não apenas como dublador mas também em sua elaboração, se espera um foco justamente no público que o consagrou. E Bee Movie não é assim, ao menos em sua maior parte. Trata-se de um filme com um foco claramente infantil, com algumas poucas - e hilárias - situações adultas.

Um exemplo são as participações especiais, como de Sting, Ray Liotta e Larry King. Todas rendem piadas que dificilmente as crianças entenderão - algumas até exigem certo conhecimento sobre os citados. Mas são pílulas, que surgem aqui e ali apenas. Como um todo o filme busca a criança, com tudo muito colorido, uma colméia similar à vida humana, abelhas que se vestem, exageros nas atitudes humanas… tudo para facilitar a imediata compreensão pelo público infantil. Afinal de contas, é este o motivo do uso de animais falantes: remeter aos animais de estimação e dar asas ao sonho infantil de que é possível conversar com eles. Tudo bem, não se trata de uma reclamação, é algo perfeitamente compreensível. Mas tornar a colméia como uma miniatura adaptada de uma cidade humana, sem que haja justificativa para tanto, é abusar do clichê do gênero. Ou alguém consegue justificar o porquê da colméia ter carros se as abelhas voam?

Bee Movie não é um filme ruim. Há nele momentos divertidíssimos e seu foco infantil não chega a cansar, apesar de incomodar em certas situações. Há até um lado instrutivo, algo que costuma andar longe de filmes hollywoodianos. Mas fica no meio termo entre um filme adulto e um infantil, que o prejudica. Algo que também aconteceu com o recente Tá Dando Onda, só que com o efeito inverso: Bee Movie é mais infantil, enquanto que Tá Dando Onda mais adulto.

Ficha de Bee Movie - A História de uma Abelha no Adoro Cinema

30 Dias de Noite

Barrow, uma pequena e remota cidade do Alasca, todo inverno passa por um período de trinta dias sem ver a luz do sol. Nessa época, muitos residentes viajam para o sul e a já reduzida população local costuma cair pela metade. Isolada pela neve e por uma súbita pane em todos os meios de comunicação, Barrow é sitiada por sanguinários vampiros, que se aproveitam dessa noite ininterrupta para caçar e devorar os habitantes. O xerife Eben e sua ex-esposa, Stella, lideram um grupo de sobreviventes e buscam uma maneira de resistir até o retorno da luz do dia. Baseado na graphic novel homônima.

Confesso que tenho uma certa implicância com esse tipo de vampiro animalesco que arranca dentadas de suas vítimas. Como fã dos bebedores de sangue clássicos, acho esses híbridos de vampiro com zumbi no mínimo esquisitos. Mas vá lá. O começo é bom. A ambientação da cidade, com suas casas sobre palafitas, é muito interessante, assim como a idéia do isolamento total de uma localidade por um período pré-determinado. O filme cria uma boa expectativa em cima disso e sabiamente deixa para mostrar as criaturas depois de estabelecido o máximo de suspense possível.

A partir do primeiro encontro dos vilões com os moradores, a história inevitavelmente ganha um tom de filme B. E não poderia ser diferente, considerando a abordagem escolhida para os vampiros. Daí minhas ressalvas a esse estilo de terror, que obrigatoriamente empurra um filme que vinha se desenvolvendo com classe para o segundo escalão. Mas o que realmente põe 30 Dias de Noite num patamar inferior não é nem sua opção estética e sim a baixa qualidade dos diálogos. Os vampiros, em especial, dizem pérolas do tipo “a gente já devia ter vindo aqui há séculos”. Também incomoda um pouco o modo como os dias passam voando: quando nos damos conta, já aparece uma legenda anunciando o 17º dia. E a impressão era a de que se haviam passado dois ou três. E depois disso tudo um personagem procura saber onde é o banheiro do esconderijo. Continuidade estranha, muito estranha.

À frente de elenco, Josh Hartnett confirma que vem se tornando um ator interessante nos últimos anos. Já sua partner Melissa George é mais uma loura inexpressiva de boca grande (de onde elas saem?). A moça tem uma ficha extensa e curiosa no IMDb: fez pequenas pontas em filmes de categoria como Cidade dos Sonhos e Los Angeles - Cidade Proibida e foi uma das, digamos, estrelas do infame Turistas. Sam Raimi, produtor do filme, cogitou dirigi-lo a princípio. Mas essa função acabou ficando para David Slade, que tem como único destaque de sua curta filmografia Menina Má.com. Talvez 30 Dias de Noite rendesse um filme vigoroso nas mãos experientes de Raimi. Com Slade ficou no meio do caminho.

Ficha de 30 Dias de Noite no Adoro Cinema

Across the Universe

Certas idéias são tão boas que a gente se pergunta porque ninguém as havia concretizado antes. As canções dos Beatles retratam de maneira muito direta - e, por isso mesmo, genial - o que era ser jovem nos anos 60. São perfeitas para pontuar uma história de amor passada nessa época de tantas revoluções. Mas, até então, os únicos filmes feitos com trilha exclusiva dos Beatles foram os que o próprio quarteto realizou. Um dos entraves certamente se deve à questão dos direitos das músicas (aquela velha disputa entre Michael Jackson e Paul McCartney). Enfim, é complicado. Mas Julie Taymor, responsável pela versão para a Broadway de O Rei Leão, conseguiu realizar essa façanha de criar um musical original utilizando somente músicas dos Beatles.

A trama é ambientada nos turbulentos anos 60, quando Jude, um jovem estivador de Liverpool, embarca para a América em busca de um pai que ele nunca conheceu. Chegando lá, faz amizade com o rico e rebelde Max, que o convence a acompanhá-lo a Nova Iorque, onde eles se deparam com o início dos protestos contra a guerra do Vietnã, ao mesmo tempo em que a contracultura e o rock fazem a cabeça da juventude engajada. Em meio ao caos, Jude se apaixona por Lucy, irmã de Max. Mas são tempos radicais e o engajamento de Lucy com um grupo pacifista começa a distanciá-la do pacato Jude.

Bom, só pelo nome dos protagonistas já dá para sacar duas das canções que serão usadas. Mas não é só na trilha sonora que o universo dos Beatles está presente. Sobram menções nos diálogos e nas imagens. Exemplos? O logotipo que Jude desenha para uma gravadora é um morango, numa dupla referência: à Apple (maçã, morango, é tudo fruta), gravadora do grupo, e também à canção Strawberry Fields Forever. Existe uma ótima cena em que os personagens cantam Don’t Let me Down no alto de um prédio que é uma referência explícita ao show-surpresa no telhado do prédio da Apple, que rolou até a polícia chegar e acabar com a festa – o U2 também já havia reverenciado o evento no clipe de Where the Streets Have no Name. E os Beatles não são os únicos homenageados: a cantora Sadie e o guitarrista Jo-Jo são praticamente clones de Janis Joplin e Jimmi Hendrix. E, diga-se de passagem, que presença e voz tem a atriz Dana Fuchs. Também é divertida a pequena participação de Bono Vox como um guru meio picareta que acaba de lançar um livro intitulado I am the Walrus.

O roteiro vai além de usar canções dos Beatles para contar a história: a trama é que parece ter sido construída para se encaixar nas 33 canções que permeiam o filme. Pouco importa se a história de amor de Jude e Lucy é lugar-comum, mesmo porque é difícil olhar um musical por essa ótica racional. Os números são incríveis, dá vontade de cantar junto. O contexto em que algumas músicas são usadas também é criativo. Certamente Lennon e McCartney nunca imaginaram que a inocente I Wanna Hold Your Hand seria cantada por uma cheerleader lançando olhares de desejo para outra garota. O único senão da parte musical é que Evan Rachel Wood deixa um pouco a desejar como cantora. Em compensação, Jim Sturgess é muito bom. O ator tem um timbre parecido com o de Paul McCartney - talvez ele tenha forçado a barra para isso, mas o resultado ficou ótimo – e um ar de garotão inglês que lembra Ewan McGregor em início de carreira. Outro aspecto interessante é o modo como o filme apresenta a diferença de culturas e classes sociais no início. Vemos Jude num típico bairro operário inglês e Lucy no universo do high school americano. Basta um olhar para reconhecer onde está cada um.

Across the Universe - assim como o recente Hairspray - é daquele tipo de filme que conquista já na abertura. Numa praia deserta, Jude canta com melancolia os primeiros versos de Girl. Ele pensa em Lucy e a imagem da garota, misturada a cenas de protesto, ganha a telona, ao mesmo tempo em que os acordes da sensacional Helter Skelter começam a tocar. É de arrepiar. Um dos melhores filmes do ano. Desafio o espectador a chegar em casa e resistir a ouvir um CD dos rapazes de Liverpool.

Ficha de Across the Universe no Adoro Cinema

European Film Awards

Segue a relação completa dos indicados ao European Film Awards deste ano.

Melhor Filme:
- 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias
- “Do Outro Lado”
- O Último Rei da Escócia
- Piaf - Um Hino ao Amor
- “Persépolis”
- A Rainha


Melhor Diretor:
- Stephen Frears (A Rainha)
- Fatih Akin (”Do Outro Lado”)
- Roy Andersson (”Du Levande”)
- Kevin Macdonald (O Último Rei da Escócia)
- Cristian Mungiu (4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias)
- Giuseppe Tornatore (”A Desconhecida”)


Melhor Ator:
- Elio Germano (”Meu Irmão é Filho Único”)
- Sasson Gabai (”The Band’s Visit”)
- James McAvoy (O Último Rei da Escócia)
- Miki Manojlovic (Irina Palm)
- Michel Piccoli (Sempre Bela)
- Ben Whishaw (Perfume - A História de um Assassino)


Melhor Atriz:
- Marion Cotillard (Piaf - Um Hino ao Amor)
- Helen Mirren (A Rainha)
- Marianne Faithfull (Irina Palm)
- Carice von Houten (”A Espiã”)
- Anamaria Marinca (4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias)
- Ksenia Rappoport (”A Desconhecida”)


Melhor Roteiro:
- “Do Outro Lado”
- “The Band’s Visit”
- A Rainha
- 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias


Melhor Fotografia:
- O Último Rei da Escócia
- “Izignanie”
- Perfume - A História de um Assassino
- “A Desconhecida”


Melhor Trilha Sonora:
- Perfume - A História de um Assassino
- A Rainha
- “Gucha”
- O Último Rei da Escócia


Prêmio de Excelência:
- Perfume - A História de um Assassino (cenografia)
- “Vier Minuten” (som)
- Alatriste (figurino)
- Piaf - Um Hino ao Amor (maquiagem)
- A Rainha (edição)

Briga Boa

Analisando os indicados do European Film Awards pude notar uma bela disputa na categoria de melhor atriz: Helen Mirren x Marion Cotillard.

Ambas estão estupendas em seus respectivos filmes. E no Oscar e no Globo de Ouro esta disputa não ocorrerá, já que A Rainha foi lançado nos Estados Unidos em 2006.

Na verdade acho estranha a inclusão de Helen Mirren nesta disputa, visto que também no BAFTA, o “Oscar inglês”, A Rainha disputou como sendo de 2006. Não encontrei no site do European Film Awards algo que justifique esta situação.

Confesso que precisaria pensar bem antes de escolher uma delas. Alguém se arrisca?

Independent Spirit Awards

Segue logo abaixo a relação completa dos indicados ao Independent Spirit Awards 2008:


Melhor Filme:
- O Escafandro e a Borboleta
- I’m Not There
- “Juno”
- O Preço da Coragem
- Paranoid Park


Melhor Diretor:
- Todd Haynes (I’m Not There)
- Tamara Jenkins (”The Savages”)
- Jason Reitman (”Juno”)
- Julian Schnabel (O Escafandro e a Borboleta)
- Gus Van Sant (Paranoid Park)


Melhor Ator:
- Pedro Castaneda (”August Evening”)
- Don Cheadle (”Talk to Me”)
- Philip Seymour Hoffman (”The Savages”)
- Frank Langella (”Starting Out in the Evening”)
- Tony Leung (Lust, Caution)


Melhor Atriz:
- Angelina Jolie (O Poder da Coragem)
- Sienna Miller (Entrevista)
- Ellen Page (”Juno”)
- Parker Posey (”Broken English”)
- Wei Tang (Lust, Caution)


Melhor Ator Coadjuvante:
- Chiwetel Ejiofor (”Talk to Me”)
- Marcus Carl Franklin (I’m Not There)
- Kene Holliday (”Great World of Sound”)
- Steve Zahn (O Sobrevivente)
- Irfan Khan (Nome de Família)


Melhor Atriz Coadjuvante:
- Cate Blanchett (I’m Not There)
- Anna Kendrick (”Rocket Science”)
- Jennifer Jason Leigh (”Margot at the Wedding”)
- Tamara Podemski (”Four Sheets to the Wind”)
- Marisa Tomei (Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto)


Melhor Filme de Estréia:
- “2 Dias em Paris”
- “Great World of Sound”
- “The Lookout”
- “Rocket Science”
- “Vanaja”


Prêmio John Cassavetes - Filmes Feitos por até US$ 500 mil:
- “August Evening”
- “Owl and the Sparrow”
- “The Pool”
- “Quiet City”
- “Shotgun Stories”


Melhor Roteiro:
- O Escafandro e a Borboleta
- “The Savages”
- “Starting Out in the Evening”
- “Year of the Dog”
- Garçonete


Melhor Roteiro de Estréia:
- “Rocket Science”
- “Broken English”
- “Juno”
- Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto
- O Poder da Coragem


Melhor Fotografia:
- “The Savages”
- O Escafandro e a Borboleta
- “Vanaja”
- “Youth Without Youth”
- Lust, Caution


Melhor Documentário:
- “Crazy Love”
- “Lake of Fire”
- “Manufactured Landscapes”
- “The Monastery”
- “The Prisoner or: How I Planned to Kill Tony Blair”


Melhor Filme Estrangeiro:
- 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (Romênia)
- Lady Chatterley (França)
- “Once” (Irlanda)
- “The Band’s Visit” (Israel)
- “Persépolis” (França)


Prêmio Robert Altman:
- I’m Not There

Framboesas

E continua acirrada a disputa… Pelas Framboesas de Ouro! Por incrível que pareça, tudo indica que, pela primeira vez, vão livrar a cara de Sylvester Stallone. Não que Rocky Balboa mereça ser lembrado, mas em se tratando de Sly, que costuma ser indicado toda vez que põe a cara na tela, o esquecimento já é uma grande vitória.

Não é nenhuma surpresa estarem cotados filmes como Bratz: O Filme, Motoqueiro Fantasma, Os Mensageiros, Piratas do Caribe 3, Transformers e Licença para Casar. O que me causa espanto é as pessoas estarem indicando O Amor nos Tempos do Cólera e Leões e Cordeiros. O primeiro, se não chega a empolgar, está longe de ser o desastre que alguns vêm alardeando. Trata-se de um filme correto, cujo maior pecado é não ter conseguido reproduzir a magia do romance de Gabriel García Márquez. O que, convenhamos, não justifica tascar-lhe uma Framboesa.

Já no caso de Leões e Cordeiros, a injustiça é maior ainda. O novo filme do sempre engajado Robert Redford traz para as telas um verdadeiro duelo de ideologias e ótimas interpretações. A história se desenvolve em três blocos básicos: na entrevista que um esperto senador republicano dá a uma jornalista liberal, tentando cooptá-la para sua causa; na conversa entre um professor de ciências políticas e um aluno que questiona a importância do que ele tem a ensinar; e na luta pela sobrevivência de dois soldados em meio a uma emboscada no Afeganistão. Os soldados, ex-alunos do professor, ilustram a solução miraculosa do senador para a região. O filme, como num debate político, dá chance para que cada um extravase seu ponto de vista e tente, assim, convencer a nós, espectadores. Como não podia deixar de ser, os diálogos são afiadíssimos. Indicar um filme desses ao Framboesa seria passar atestado de incapacidade intelectual.

Encantada

O filme conta a história da princesa Giselle, que vive num mundo mágico, musical e perfeito. Mas no dia do seu casamento, a madrasta de seu amado príncipe Edward a empurra num poço amaldiçoado. Giselle vai parar nas caóticas ruas de Manhattan, sem compreender onde está nem quem são aquelas rudes e apressadas pessoas. É quando Robert, um advogado pragmático, cruza seu caminho e resolve ajudá-la, criando um divertido contraste entre um personagem de contos-de-fada e um advogado dos dias de hoje.

A exemplo do também bom Deu a Louca na Chapeuzinho, o filme faz humor inteligente ao utilizar num novo contexto a doçura exagerada dos contos-de-fada. Giselle, como diz Robert numa cena, parece saída de um cartão da Hallmark. Ela canta, rodopia, sorri, conversa com animaizinhos e fala sem parar no príncipe com quem deve se casar e ser feliz para sempre. Imaginem uma figura dessas no meio do Central Park. E imaginem o Príncipe Edward, um cara que chega a caráter e mete uma espada no teto de um ônibus em plena Broadway, mas desconhece o que é uma televisão. Pois é. Encantada também brinca com a estrutura desse tipo de filme. Um bom exemplo disso é quando Robert dá de cara com o príncipe Edward e se desespera “Ah, não, você também canta”.

O elenco é carismático e bem escalado, com boa química no trio formado por Amy Adams, Patrick Dempsey e James Marsden. E não se pode deixar de ressaltar a incrível semelhança entre Thimothy Spall e seu equivalente em desenho – o problema é que é difícil olhar para o ator e não lembrar do Rabicho da série Harry Potter.

O filme exagera um pouco no final e algumas coisas parecem acontecer tão-somente para servir aos propósitos do roteiro, mas esses pequenos escorregões não chegam a comprometer o bom desenvolvimento da história. Também não deixa de ser surpreendente (e saudável) ver a própria Disney bancando um filme que tira um sarro do tipo de produção pela qual o estúdio ficou famoso. Vale conferir o longa, é uma grata surpresa.

Ficha de Encantada no Adoro Cinema

Deu a Louca na Cinderela

A máxima “nada se cria, tudo se copia” é surrada, mas novamente pode ser usada neste filme. A idéia de brincar com os personagens tradicionais dos contos de fadas é boa, mas está longe de ser nova - é só lembrar da trilogia Shrek. Porém isto não é suficiente para tornar Deu a Louca na Cinderela em um filme ruim, até porque nos dias atuais é raríssimo assistir a algo, na TV ou no cinema, que não tenha referência a algo já feito. O problema do filme é que ele muda os conceitos dos personagens para incluí-los numa nova história que nada mais é do que também um conto de fadas, nos mesmos moldes daqueles que são “criticados”. Ou seja, muda para tornar-se igual. A sensação de mais do mesmo é inevitável.

Apesar disto o início é bacana, com a brincadeira em torno da apresentação da madrasta de Cinderela. Há algumas citações sarcásticas que até divertem, mas que rareiam à medida que a história prossegue. A própria transformação do príncipe numa espécie de Johnny Bravo afetado chama a atenção de início, mas cansa. Além disto os personagens coadjuvantes são bastante infantilizados, o que se por um lado atende ao público-alvo do filme também os torna bastante simplórios para quem ao menos já tenha chegado à adolescência.

E aos incautos um aviso: este filme nada tem a ver com Deu a Louca na Chapeuzinho, lançado nos cinemas no ano passado e bastante superior. Trata-se apenas de uma tentativa da distribuidora de aproveitar o sucesso do filme para emplacar outro com título parecido, sem que haja qualquer conexão entre eles.

Frase do Dia

“Ter um filho pode ser dispensável, mas só há um falcão maltês.”

(Kasper Gutman, personagem de Sydney Greenstreet em Relíquia Macabra, considerando sobre a proposta feita por Sam Spade)

A Lenda de Beowulf

Um filme B com muito dinheiro. Assim é A Lenda de Beowulf, que impressiona pelo apuro técnico de sua animação mas que decepciona muito pela pobreza de seu roteiro.

Na verdade nem há muito o que contar. O roteiro é baseado em um poema épico de autor desconhecido, que trata da batalha de um herói contra um monstro e sua mãe, que seduz quem a enfrenta. Se fosse apenas se ater a isso talvez o filme tivesse uns 40, 50 minutos apenas. Para completar sua duração são incluídas inúmeras piadas de cunho sexual, algumas constrangedoras, além da velha situação do personagem nu em que algum objeto ou situação esconde partes de seu corpo. Sim, porque Beowulf decide lutar contra Grendel inteiramente nu. A justificativa? “O monstro não tem armas, então também lutarei sem”. O que inclui armadura e roupas, é claro, nada mais lógico.

É tudo um meio para esconder que o filme pouco tem a dizer. E com isso são várias as cenas de ação, envolvendo até mesmo “histórias de pescador” de Beowulf, todas com o objetivo maior de ocupar espaço de forma que a história possa render um longa-metragem. Só que nenhuma destas cenas é realmente boa. Há uma qualidade técnica na animação que chama bastante a atenção, mas apenas por este lado. As cenas de ação não empolgam, são frias demais. Além disto os personagens são vazios, formados em grande parte por frases de efeito ou de duplo sentido, o que acaba tornando-os artificiais e, em certos casos, exagerados. Há um tom declamatório em algumas cenas que chega a ser irritante.

Por outro lado o filme tem méritos na animação dos atores. A Lenda de Beowulf utiliza o método da captura de movimentos, em que os atores atuam diante de uma tela verde e sua atuação é “transportada” para seu personagem em cena, que pode ter qualquer formato. Não é algo novo, o próprio Robert Zemeckis o utilizou em O Expresso Polar. A atuação em si não é nada de mais, mas a animação do rosto dos personagens em certos casos impressiona por possibilitar que se reconheça o ator em cena. É o que acontece com Anthony Hopkins, Alison Lohman e, principalmente, John Malkovich.

A Lenda de Beowulf é um filme ruim, que merece créditos apenas por seu lado técnico. Está mais do que na hora de Robert Zemeckis retornar aos filmes com atores, onde seu desempenho como diretor é bem superior.

Ficha de A Lenda de Beowulf no Adoro Cinema

Calendário de Lançamentos

Segue a relação atualizada dos lançamentos da Paramount Pictures nos cinemas brasileiros no próximo ano:

04 JAN COISAS QUE PERDEMOS PELO CAMINHO (Things We Lost In The Fire)

11 JAN ELIZABETH : A ERA DE OURO (Elizabeth: The Golden Age)

18 JAN O CAÇADOR DE PIPAS (Kite Runner)

25 JAN O GÂNGSTER (American Gangster)

01 FEV UNTITLED JJ ABRAMS (Ainda Sem Título Em Português)

08 FEV ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ (No Country For Old Men)

15 FEV DESEJO E REPARAÇÃO (Atonement)

22 FEV NA NATUREZA SELVAGEM (Into The Wild)

29 FEV JOGOS DO PODER (Charlie Wilson’s War)

29 FEV HOW SHE MOVE (Ainda Sem Título Em Português)

14 MAR THE EYE (Ainda Sem Título Em Português)

21 MAR AS CRÔNICAS DE SPIDERWICK (The Spiderwick Chronicles)

28 MAR A TALE OF TWO SISTERS (Ainda Sem Título Em Português)

11 ABR THE RUINS (Ainda Sem Título Em Português)

18 ABR MEU NOME É TAYLOR, DRILLBIT TAYLOR (Drillbit Taylor)

18 ABR O PROCURADO (Wanted)

25 ABR WELCOME HOME ROSCOE (Ainda Sem Título Em Português)

01 MAI HOMEM DE FERRO (Iron Man)

09 MAI DEFINITELY, MAYBE (Ainda Sem Título Em Português)

22 MAI INDIANA JONES E O REINO DA CAVEIRA DE CRISTAL (Indiana Jones And The Kingdom Of The Crystal Skull)

22 MAI THE PIRATES WHO DON’T DO ANYTHING (Ainda Sem Título Em Português)

30 MAI WILD CHILD (Ainda Sem Título Em Português)

13 JUN THE INCREDIBLE HULK (Ainda Sem Título Em Português)

27 JUN BABY MAMA (Ainda Sem Título Em Português)

04 JUL KUNG FU PANDA (Kung Fu Panda)

18 JUL NIM’S ISLAND (Ainda Sem Título Em Português)

25 JUL TROPIC THUNDER (Ainda Sem Título Em Português)

01 AGO THE MUMMY: TOMB OF THE DRAGON EMPEROR (Ainda Sem Título Em Português)

15 AGO MAMMA MIA! (Mamma Mia!)

22 AGO LOVE GURU (Ainda Sem Tít. Port.)

05 SET CASE 39 (Ainda Sem Título Em Português)

05 SET HELLBOY II (Ainda Sem Título Em Português)

19 SET GHOST TOWN (Ainda Sem Título Em Português)

19 SET FORGETTING SARAH MARSHALL (Ainda Sem Título Em Português)

03 OUT NOWHERELAND (Ainda Sem Título Em Português)

17 OUT EAGLE EYE (Ainda Sem Título Em Português)

24 OUT DEATH RACE (Ainda Sem Título Em Português)

12 DEC MADAGASCAR 2 (Ainda Sem Título Em Português)

Chama o Nascimento

É sempre bom ver um filmaço como Tropa de Elite conquistando seu espaço e se tornando referência. No entanto, a atual mania nacional vem gerando manifestações no mínimo duvidosas. Segundo a coluna Gente Boa, do jornal O Globo, algum gaiato enfiou um saco plástico na cabeça das vaquinhas de acrílico expostas na Lagoa, numa referência ao estilo de tortura favorito do Capitão Nascimento. OK. Como piada é engraçado, mas não deixa de ser preocupante o modo como os métodos do personagem (que está longe de ser pintado como herói no filme) se tornaram populares. Vamos torcer para a brincadeira se limitar a seres inanimados.

A Noiva Perfeita

Homem e mulher que antipatizam um com o outro à primeira vista se unem contra a vontade e, com a convivência, se descobrem loucamente apaixonados. Quantas vezes já se viu uma história assim? Provavelmente, desde que os irmãos Lumière inventaram o cinema. Claro que é perfeitamente possível fazer um filme interessante partindo de um argumento manjadíssimo… Mas não é o que acontece em A Noiva Perfeita, que oscila entre os estereótipos e as situações simplesmente absurdas.

O arranjo, neste caso, é o seguinte: ela precisa de dinheiro e ele, de uma noiva para apresentar à família e se ver livre da pressão da mãe e das cinco irmãs para que se case e deixe de viver na Terra do Nunca. Já soa pouco plausível, não? É bom ressaltar que o sujeito em questão tem 43 anos e é um profissional bem-sucedido. Ou seja: bastaria dizer com todas as letras à família que não está interessado em se casar. Mas não. Ele prefere pagar a uma desconhecida para se fazer passar pela mulher da sua vida e depois abandoná-lo, deixando-o, assim, no papel de coitadinho perante a mãe e as irmãs.

Certamente que existem muitos homens imaturos e comandados pela família, mas tamanha dependência não combina com o modo como o personagem é apresentado. E os motivos da pressão da família tampouco são convincentes. Numa cena, uma das irmãs queixa-se de ter que lavar e passar a roupa dele. Não seria mais simples - e barato - pagar alguém para cuidar da roupa ao invés de engendrar um plano tão evidentemente fadado ao fracasso? Esse é o grande problema em A Noiva Perfeita: todas as decisões do personagem soam artificiais. Só um idiota completo raciocinaria como ele e o personagem não é caracterizado como um idiota em outras áreas da sua vida. A noiva de aluguel também é cheia de incoerências, sendo a mais esquisita delas a questão de estar precisando de dinheiro e insistir em adotar um bebê brasileiro (!). Mas não é tudo: ainda existem seqüências inteiras que chegam a ser constrangedoras de tão sem graça, com destaque especial para a cena em que eles se fantasiam de sado-masoquistas. Parece coisa do Repórter Vesgo.

Resumindo: trata-se de um filme que, logo no começo, já deixa evidente como se desenrolará. E não apenas segue o caminho da previsibilidade, como também falha em fazer isso com eficiência. O bom elenco, encabeçado pelos simpáticos Alain Chabat e Charlotte Gainsbourg, não consegue amenizar a sensação de tempo perdido.

Angel-A

Eu não tenho exatamente uma opinião formada sobre Luc Besson. Seus filmes mais elogiados me dividem: não consigo gostar de Imensidão Azul, mas acho O Profissional e Nikita muito bons (Subway eu nunca assisti). Dos recentes, considero O Quinto Elemento um caça-níqueis e Joana D’Arc bastante razoável. Angel-A, rodado em 2005, vem pender a balança para o lado positivo da carreira do cineasta.

Estiloso não apenas na fotografia em P&B, mas também num certo tom expressionista, o longa narra de modo original o tema das duas pessoas desesperadas que se tornam a última esperança uma da outra. André é um malandro atrapalhado que deve a vários criminosos parisienses. Pressionado de todas as maneiras e na iminência de ter seu prazo esgotado, resolve se jogar de uma ponte. Mas uma mulher estranhíssima e bela atrapalha seus planos ao escolher o mesmo lugar para se suicidar. Coincidência ou destino?

Angel-A é um filme bastante poético e inusitado. Ao mesmo tempo, comove pela simplicidade e delicadeza de seu drama humano. Também é aquele tipo de filme sobre o qual não se deve revelar muita coisa, sob pena de diminuir o envolvimento do espectador com essa pequena fábula de amor, esperança e redenção.

Ficha de Angel-A no Adoro Cinema

Sugestão

Quem tiver a oportunidade não perca: estréia hoje no canal Telecine Cult, às 22 hs, o divertidíssmo Escola do Riso. Este mês o filme ainda passará no dia 23, às 00:55 hs, depois apenas será reprisado após o Natal.

Ficha de Escola do Riso no Adoro Cinema

3D

Está confirmado: A Lenda de Beowulf será também lançado em cópias 3D no Brasil.

Mesmo sem ter visto o filme, recomendo a quem possa que o assista em 3D. Trata-se de uma experiência especial para quem aprecia ir ao cinema.

Rumo ao Framboesa

O fim de ano se aproxima e a expectativa pelas indicações nas premiações cresce. Especialmente uma, ao menos para o público: o Framboesa de Ouro. É sempre curioso ver quais atores, diretores e filmes a premiação resolveu pegar no pé, além da eterna discussão sobre se os “contemplados” mereceram a lembrança.

A lista de indicados sairá apenas em janeiro mas já existe uma pré-lista dos filmes elegíveis, atualizada semanalmente. A relação pode ser conferida aqui, mas um aviso: todos os filmes estão listados pelo seu título original.

Atenção especial aos filmes que estão com link e em lilás, pois têm grandes chances de serem lembrados no próximo Framboesa.

Promoção do Beijo

Nesta semana foi inaugurado no Rio de Janeiro mais um complexo de cinemas, no também recém-inaugurado Bangu Shopping. É o 2º multiplex do grupo Cinesystem na cidade, que já operava com 4 salas no Recreio Shopping.

Pois lendo sobre a inauguração descobri uma curiosidade: a Promoção do Beijo. Toda quinta o casal que chegar na bilheteria e se beijar paga apenas um ingresso para os dois. É sério.

Há também outro ponto que chama a atenção: o preço do ingresso, inferior ao que se costuma cobrar na cidade. Segunda, quarta e quinta a R$ 10; sexta a domingo a R$ 12; e nas terças apenas R$ 5.

O Estranho Mundo de Tim Burton

Existem inúmeros grandes cineastas. Eu mesma tenho uma lista extensa: Pedro Almodóvar, Woody Allen, David Lynch, Billy Wilder, Roman Polanski, Alfred Hitchcock… Todos grandes ícones, embora nenhum desperte em mim a adoração irrestrita que sinto por Tim Burton. Obviamente existem realizadores mais importantes, mas cinema também é identificação e, nesse quesito, o californiano Timothy William Burton não tem concorrentes.

Nascido em 1958, Tim Burton gostava de desenhar desde criança e sempre foi fascinado pelos filmes clássicos de horror. Estudou numa escola de artes, graças a uma bolsa oferecida pela Disney, iniciando lá sua carreira como aprendiz de animação. Após participar da criação de alguns filmes (mas sem ter seu nome nos créditos), teve sua primeira oportunidade no curta Vincent. Nesse desenho de seis minutos em P&B, Burton presta uma homenagem a seu ídolo Vincent Price e ainda atua como narrador, além de já demonstrar tendência pela estética gótica que o tornaria famoso. Apesar do relativo sucesso, o jovem talento logo entendeu que o padrão Disney estava longe do tipo de filme que ele pretendia realizar.

Seu primeiro sucesso veio alguns anos depois, com a comédia de humor negro Os Fantasmas se Divertem. Foi, então, escolhido para dirigir a aguardada versão para o cinema de Batman. O resultado causou controvérsias e esteve longe de ser uma unanimidade, mas não se pode negar que o cineasta realizou um longa estiloso e marcante, assim como sua seqüência - não se pode dizer o mesmo dos filmes seguintes realizados pelo burocrático Joel Schumacher.

Em Edward Mãos de Tesoura, Tim Burton iniciou a parceria com um ator que também demonstra ter uma queda por produções pouco usuais: Johnny Depp. Funcionou tão bem que eles fizeram mais cinco filmes juntos: Ed Wood - que Burton considera seu projeto mais pessoal - A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça, A Fantástica Fábrica de Chocolate, A Noiva-Cadáver e o ainda inédito musical Sweeney Todd.

Durante as filmagens do remake de Planeta dos Macacos, Tim Burton iniciou outra bem-sucedida parceria, desta vez amorosa, com a atriz Helena Bonham-Carter. Eles namoraram, casaram, tiveram um filho e seguem trabalhando juntos. Olhando o casal, percebe-se que foram feitos um para o outro. Helena, além de ótima atriz, é uma figura tão exótica quanto as criações de seu marido.

Alguns aspectos são constantes na obra de Tim Burton e já viraram uma assinatura do seu estilo: estética dark, direção de arte arrojada e um certo humor negro mesclado a temas infantis como Natal ou Halloween. O Estranho Mundo de Jack, por exemplo, faz uma bisonha mistura de ambos. OK, Burton não é creditado como diretor e sim como roteirista e produtor… Mas alguém realmente considera que esse filme foi dirigido por Henry Selick?

Burton recentemente assinou um contrato para produzir dois filmes de animação em 3D para a Disney. O primeiro, cuja produção se iniciará em maio de 2008, será uma releitura do clássico Alice no País das Maravilhas e usará o arrojado sistema de captura de movimentos também utilizado em A Lenda de Beowulf. O segundo será a versão longa de Frankenweenie, curta dirigido pelo próprio Burton em 1984. A trama gira em torno de um cachorro ressuscitado pelo dono (alguma semelhança com o fofíssimo cachorrinho-esqueleto de A Noiva-Cadáver?) e será feito em stop-motion, técnica preferida do cineasta.

O Dia Seguinte

Há algo de estranho em assistir a O Dia Seguinte nos dias atuais. Não pelo filme em si, que mantém seu vigor ao alertar sobre os perigos de uma guerra nuclear, mas pelos dias atuais. Quando o filme foi lançado, em 1983, o mundo estava em plena Guerra Fria. Uma guerra nuclear era algo possível para a qualquer instante, ao menos esta era a sensação geral. Não que este risco esteja de todo afastado, mas a tensão mundial hoje é bem mais amena. Assistir ao filme agora não é apenas lembrar do tema, mas sim de uma época. É a Guerra Fria que está lá materializada, o que serve também para se analisar o quanto o mundo mudou de lá para cá.

Não que o mundo tenha se tornado um lugar mais calmo desde então. Se não há a ameaça constante de uma guerra nuclear, há o aquecimento global esquentando todos os recantos da Terra. Há o terrorismo, que mudou o conceito de perigo de grandes situações para algo menor e inesperado. Ver O Dia Seguinte é como assistir a uma época distante dos dias atuais, mas que é apenas de pouco mais de duas décadas atrás. Uma época em que o mundo ainda se dividia entre capitalistas e socialistas, em que a União Soviética e a Alemanha Oriental existiam, em que a internet sequer era sonhada. Muitos de nós vimos esta época acontecer, nem que seja um pedaço dela, e hoje ela é parte de um passado em que pouco é percebido em nosso cotidiano. O Dia Seguinte é um filme claramente datado mas que, mesmo assim, pode-se notar o impacto que causou na época em que foi lançado.

Ele segue a estrutura de um filme-catástrofe dos anos 70: poucos efeitos especiais, que nos dias atuais são bastante simplórios, e atores de renome protagonizando diversas histórias paralelas, todas afetadas pela catástrofe ocorrida. Como filme O Dia Seguinte não tem nada de inovador. Seu valor maior é justamente pela abordagem de um tema sensível e polêmico em pleno governo Reagan, naquela sensação palpável de que o exibido era viável. A coragem em fazer o filme é tão importante quanto o filme em si. É daqueles casos de que o momento em que foi lançado dá ao filme uma dimensão maior do que ele realmente é, algo que ocorreu recentemente com Fahrenheit 11 de Setembro. Apenas o tempo é capaz de colocá-lo em seu devido lugar.

O Dia Seguinte, visto hoje, continua sendo um bom filme. Datado e com limitações mais visíveis do que nunca, mas ainda um bom filme. Só que na época em que foi lançado representou muito mais do que isso, algo que não deve ser esquecido.

Ficha de O Dia Seguinte no Adoro Cinema

O Magnata

Tentei. Fui assistir a O Magnata despido de preconceitos, apesar das críticas negativas que já tinha lido. Tinha até uma certa esperança de que o filme poderia surpreender pelo visual aplicado pelo diretor Johnny Araújo. Mas não dá. O filme é ruim demais.

E é ruim demais devido ao roteiro, pelos excessos na caracterização dos personagens e por certos diálogos e cenas. Tudo bem que a intenção é mostrar a juventude descerebrada, que quer se divertir a qualquer custo sem se importar com alguém, nem mesmo com quem está ao seu lado. De certa forma é um universo parecido com o mostrado em Ódiquê, só que agora envolvendo os paulistas ao invés dos cariocas. É uma realidade que irrita mas existe, logo, é aceitável. Só que todos os personagens são tão simplistas, tão rasos, que é difícil até aceitá-los como verdadeiros dentro daquela realidade. São palavrões, gírias, maneirismos, poses e estilos gratuitos, que servem para maquiar o quanto os personagens não têm a dizer. E, como são usados em excesso, incomodam bastante.

Mas o pior são os diálogos. Alguns são inacreditáveis, como o que um bandido avisa ao Magnata que ele está lidando com o crime. Você já viu algum bandido, na vida real ou na ficção mesmo, avisar que alguém está falando com o crime, este termo genérico que engloba de tudo um pouco? Ou, independente do termo, fazer um aviso nestes moldes? Outra pérola é quando a personagem Rê, magoadíssima, dá um gelo em Dri e, 20 segundos depois, diz que está tudo bem e vamos pra balada. É inacreditável não o perdão, mas a rapidez com que ele acontece. E o filme é assim, cheio de situações incoerentes, ao longo de toda sua duração.

O que salva O Magnata do fracasso completo é seu visual. Em estilo videoclip, usando truques de câmera, algo bem próximo da linguagem MTV. Funciona de início, mas também tem seus exageros. Lá pela metade surge uma animação a la “Porteiro Zé”, também gratuita mas que está presente para dar mais uma pitada de “estilo” ao filme. Aliás, o filme é isso: um exercício excessivo de “estilo”, desesperado para mostrar o universo dos personagens a todo custo.

Um aviso final, a quem se arriscar a assisti-lo: evite os cinemas com um bom sistema de som. Nem tanto pela qualidade da música, mas porque o volume é altíssimo. Pelo bem dos seus tímpanos.

Ficha de O Magnata no Adoro Cinema

Meu Melhor Amigo

O protagonista é François Coste, um competitivo e egoísta marchand. Durante seu jantar de aniversário Catherine, sua sócia, lhe diz que ele não possui nenhum amigo, no que é apoiada pelos demais. François não concorda, o que faz com que Catherine lhe lance um desafio: ele tem dez dias para apresentar ao grupo um grande amigo, senão terá que lhe dar o caríssimo vaso grego que acabou de arrematar num leilão.

O personagem de Daniel Auteil é pintado como alguém intragável. Nem tanto. Tá certo que o sujeito é bastante anti-social, mas também não chega a ser uma versão de carne e osso do Sr. Burns (o patrão de Homer Simpson, esse sim um tremendo vilão). O que incomoda em Meu Melhor Amigo é justamente que as situações não fluem com naturalidade: é como se, uma vez escrito o argumento, ninguém se preocupasse em como fazer o personagem chegar lá porque já estava estabelecido que ele é um cara insuportável e que seria desafiado a conseguir um amigo. Soa absurdo o sujeito chegar para a comemoração de seu aniversário e ser atacado tão sem piedade do jeito que ocorre no longa. Se todos o detestavam tanto, bastava não dividir a mesa com ele.

E é assim que o filme caminha, muito carente de sutilezas. As mudanças são bruscas demais. A melhor seqüência, sem dúvida, é aquela em que o personagem de Dany Boon participa de um quiz show parecidíssimo com o Show do Milhão. E, diga-se de passagem, o fato ocorre devido a uma pista bem plantada do roteiro. Mas esse trecho não chega a levantar a bola do filme, porque o desfecho joga tudo no lugar-comum de novo. O resultado final é apenas mediano.

Ficha de Meu Melhor Amigo no Adoro Cinema

Subversão, Caos e Sabonete

Certos filmes envelhecem melhor do que outros. Enquanto alguns que você adora ao assistir perdem o encanto já na segunda conferida, outros se tornam cada vez mais fascinantes. Ontem revi (acho que pela terceira vez) Clube da Luta. Não é que eu tenha desgostado na primeira vez, mas foi tanto estardalhaço por conta do maluco paulista que entrou num cinema e abriu fogo contra os espectadores que isso acabou prejudicando uma análise mais objetiva do filme em si.

Clube da Luta, que eu considero o melhor filme de David Fincher, é uma das produções mais originais e subversivas de todos os tempos. Não apenas na trama, mas também em seu formato externo. O personagem Tyler, que tem o hábito de inserir imagens pornográficas em filmes “família”, faz suas inserções também no filme como se fosse uma pessoa real. E o que dizer da hilária advertência assinada por Tyler que aparece na tela logo após a lengalenga padrão do uso permitido do DVD?

Para quem não viu ou não se lembra, a história defende a tese de que a sociedade consumista leva as pessoas ao entorpecimento dos sentidos e, num estágio mais avançado, à loucura. Edward Norton interpreta Jack, um sujeito que vive para “ter coisas”. Seu passatempo preferido é fazer compras por telefone, adquirindo bens inúteis como quem toma drogas.

“Eu folheava os catálogos e me perguntava ‘que tipo de porcelana me define como pessoa?’.“

A insônia o atormenta e ele não sabe a razão de sua infelicidade constante. Até que passa a freqüentar grupos de auto-ajuda para moribundos e/ou desenganados e descobre que cercar-se de pessoas realmente infelizes lhe restitui a paz de espírito. Talvez passasse o resto da vida nesse novo vício se não conhecesse, numa viagem de trabalho, Tyler Durden. Descolado, sexy, rebelde, enfim, tudo que Jack gostaria de ser. Tyler lhe apresenta um novo prazer: lutar. Simples assim. Dois homens quebrando a cara um do outro. Não demora para surgir o Clube da Luta, uma instituição cuja primeira regra é “você não fala sobre ele”.

Se fosse apenas isso, já seria original. Mas a trama não fica por aí. Um clube como esse está fadado a reunir pessoas que estão no limite de sua paciência e, portanto, ansiosas para detonar as instituições. Rebeldia, sede de liberdade ou puro terrorismo? No desfecho, quando a verdade sobre os personagens é revelada, fica claro que a trama não é uma apologia do terrorismo. Mas, ainda assim, resta em nossas mentes a incômoda certeza de que a sociedade moderna produz seus próprios monstros. Como diz Jack ao patrão numa cena “um maluco pode sair por aí com uma arma semi-automática atirando nos colegas de trabalho. Pode ser alguém que você conhece há anos.”

Edward Norton, aliás, é a alma do filme. Apesar de sua ainda curta filmografia, iniciada em 1996, Norton é um dos atores mais versáteis e geniais de sua geração. Não foi à toa que já em seu primeiro filme, As Duas Faces de um Crime, ele foi indicado ao Oscar de melhor coadjuvante. Ed já foi skinhead (A Outra História Americana, que lhe rendeu a segunda indicação), policial federal (Dragão Vermelho), padre (Tenha Fé, sua estréia na direção), nerd apaixonado (Todos Dizem Eu Te Amo), ladrão (A Cartada Final e Uma Saída de Mestre), mágico (O Ilusionista) e até um rei medieval (Cruzada). Atualmente, ele tem filmado Hulk 2 numa favela aqui no Rio. E dizem que anda por aí sem guarda-costas. Em Clube da Luta, ele tem uma de suas melhores e menos elogiadas performances. Também Helena Bonham-Carter arrasa como a sexy e auto-destrutiva Marla Singer.

Creio que Clube da Luta foi um filme bastante injustiçado. A maioria das pessoas que o assistiram se detiveram na questão da porradaria e o consideram um similar das fitas do Van Damme. E o filme definitivamente não é sobre um grupo de caras sem camisa se batendo (embora essas cenas também sejam interessantes). É sobre várias coisas, mas não sobre isso. É sobre subversão, caos e sabonete, como diz seu slogan. E muito mais.