2 Dias em Paris

O americano Jack e a francesa Marion estão juntos há dois anos e se consideram um casal estável. Mas seu relacionamento será posto à prova quando, na volta de uma viagem à Itália, resolvem passar dois dias em Paris antes de retornar a Nova Iorque. É quando Jack é confrontado com um lado desconhecido de Marion: além da família assustadora e de hábitos bizarros e do fato dele não entender quase nada em francês, ainda há o duro teste de sobreviver ao encontro com incontáveis ex-namorados e um passado que até então ele ignorava.

Essa incursão da atriz Julie Delpy atrás das câmeras certamente remeterá o espectador a Cèline, sua personagem em Antes do Amanhecer e Antes do Pôr-do-Sol – vale lembrar que a atriz colaborou no roteiro deste último, assim como seu partner Ethan Hawke. Não faço essas comparações como uma crítica, muito pelo contrário. O longa de Julie tem identidade própria e, se considerarmos apenas o quesito humor, até supera Antes do Pôr-do-Sol. Mas é impossível não reconhecer o quanto o longa influenciou esse seu belo trabalho como cineasta, até mesmo pelo fato dela escolher, mais uma vez, uma história envolvendo um americano e uma francesa. E as diferenças entre eles, que aparentemente passavam despercebidas quando ambos se encontravam em solo americano, ganham uma nova dimensão na Cidade-Luz. Seria uma crítica velada da roteirista-diretora à baixa tolerância americana com os costumes alheios?

De qualquer modo, Julie toma o cuidado de não transparecer o irritante ar superior da maioria dos franceses e faz essas críticas de modo realmente engraçado e, por vezes, até comovente. E também coloca em xeque vários hábitos pouco lisonjeiros dos franceses, como o desleixo com higiene e o temperamento exageradamente passional. No final das contas, acaba sendo mais uma questão de relacionamento íntimo do que propriamente choque entre culturas. Adam Goldberg, sua cara-metade na telona, faz de seu Jack uma figura simpática, com a qual nos identificamos. Talvez por não ter uma imagem excessivamente ianque, ou seja, também fugir do estereótipo esperado. Memorável a hilária seqüência em que ele sacaneia turistas americanos que procuravam o Museu do Louvre com a justificativa "essas pessoas votam no Partido Republicano!". Outro momento que merece destaque é a curta porém hilária participação de Daniel Brühl, assim como as discussões em família e o motivo de pai de Marion odiar Jim Morrison.

Uma curiosidade: Julie Delpy – que já dirigiu anteriormente dois curtas e um longa, todos inéditos por aqui – escalou os próprios pais como intérpretes dos pais de sua personagem. Vamos ficar de olho nos próximos passos dessa moça e torcer para que a qualidade demonstrada em 2 Dias em Paris se repita em novas produções. O filme estréia sexta, dia 14.

Ficha de 2 Dias em Paris no Adoro Cinema

Fim da Linha

Estréia amanhã o criativo Fim da Linha, primeiro longa de Gustavo Steinberg, roteirista de Cronicamente Inviável. O filme não tem uma trama linear e sim um olhar crítico e bastante debochado sobre um punhado de personagens cujos caminhos se entrecruzam em algum momento da história. O tema condutor é a ambição desenfreada e a teoria de que as pessoas perdem qualquer fiapo de racionalidade quando o que está em jogo é ganhar dinheiro. Ou se apropriar do dinheiro alheio, mesmo que nem saibam o que fazer com ele.

Os ótimos tipos desenvolvidos por Steinberg são o grande atrativo da história. Entre eles temos: um documentarista cheio de idealismo, mas que não se importa de ser sustentado pela mulher; uma tribo indígena que quer transformar sua dança da chuva em produto comercial; uma perua dona de boutique que faz as amigas se endividarem em sua loja; um deputado que tem um armário cheio de dinheiro e alega ter sido sorteado na loteria 1.313 vezes, mas não dispensa a oportunidade de ganhar uma aposta; um catador de lixo que cata tudo que encontra pela frente, até seres humanos... e por aí vai.

Todos esses personagens – e mais alguns – ao longo do filme desconstróem a primeira impressão que temos deles, o que acontece tão logo o dinheiro ou possibilidade de ganhá-lo se apresenta. Somente o deputado Ernesto Alves (última aparição do recém-falecido Rubens de Falco), com seu cinismo político, se mantém o mesmo escroque do primeiro ao último fotograma. O que o torna, no final das contas, o personagem mais sincero de todos.

O bem-humorado roteiro tem diálogos deliciosos, com destaque para a cena em que o jornalista vivido por Leonardo Medeiros discute com o pajé sobre a viabilidade de cobrar por um produto que ninguém quer comprar. Também são extremamente divertidas todas as discussões ocorridas dentro da van, assim como o embate entre a mendiga e o catador de lixo. Claro que o filme apresenta algumas situações absurdas, mas até mesmo esses momentos de nonsense têm um sentido dentro da proposta do longa, que se utiliza desse exagero para fazer uma alegoria sobre o quanto a ambição faz as pessoas pirarem.

Fim da Linha é uma produção que chama a atenção pela criatividade, simplicidade e bom humor e que merece ser vista. Mas o espectador tem que correr, já que o longa estréia com circuito limitadíssimo: quatro cópias, sendo três em São Paulo e apenas uma aqui no Rio de Janeiro (o filme entrará em cartaz somente no Estação Gávea).

Nova Novela?

Confira: Atores podem entrar em greve em Hollywood

Mal terminou a greve dos roteiristas e agora são os atores que ameaçam entrar em greve nos Estados Unidos. Risco real ou mera bravata?

Um pouco de cada. A greve dos roteiristas surpreendeu pelo tempo de duração, 3 meses, e pelo apoio recebido, tanto popular quanto do SAG, o Sindicato dos Atores. A cerimônia do Globo de Ouro foi cancelada, o Oscar esteve sob risco, séries e programas de TV foram cancelados ou adiados, filmes também sofreram mudanças ou adiamentos... Resumindo, perdeu-se muito dinheiro. Os produtores compraram a queda de braço com os roteiristas sem esperar que estes tivessem tanta força e saíram perdendo na história.

E agora vem outra queda de braço pela frente, mas com importantes diferenças. A 1ª é que o risco de greve tornou-se real. Os roteiristas provaram que, se for preciso, uma classe pode realmente cruzar os braços em Hollywood, algo que muitos consideravam improvável e até impossível. Isto já fez com que os produtores iniciem negociações para renovar o contrato com o SAG, mesmo faltando cerca de 4 meses para seu término.

A 2ª é que a vitória dos roteiristas dá força aos atores em sua negociação. Chega a ser natural que haja mais exigências, ou ao menos mais empenho em que as reinvindicações do SAG sejam aceitas. E os produtores sabem disto. Tratar a negociação com o mesmo desdém, tentando impôr um contrato, fatalmente levará a uma nova greve. Onde mais dinheiro será perdido, com certeza. E isso os produtores de novo não querem.

Ainda é muito cedo para afirmar que haverá uma greve de atores. Uma ameaça deste tipo é reflexo do trauma que a greve dos roteiristas provocou em Hollywood, nada além disto. O risco de uma nova greve é real, mas esta possibilidade também faz parte do velho jogo que sempre permeia negociações deste tipo, onde cada lado usa as armas que têm para obter um melhor acordo. Afinal de contas cinema, especialmente em Hollywood, é um grande negócio.

Bonitinha Mais Uma Vez na Telona

Começam essa semana as filmagens de Bonitinha, Mas Ordinária, uma das mais famosas peças de nosso dramaturgo maior, Nelson Rodrigues. Esta é a terceira vez que a história de Edgard, rapaz pobre que vive o dilema de se corromper ou manter a integridade, é levada para a telona. A primeira foi em 1963, com roteiro do próprio autor e Odete Lara à frente do elenco. A segunda (e mais famosa) versão é a de 1981, com direção de Braz Chediak, Lucélia Santos no papel de Maria Cecília (a "bonitinha" do título) e Vera Fischer como Ritinha.

A nova adaptação traz Leandra Leal como Ritinha (que, apesar do que sugere o título, é a verdadeira protagonista da história), João Miguel como Edgard e a novata Letícia Colin como Maria Cecília. Completam o time Leon Góes como Peixoto, Gracindo Junior como Dr. Werneck e Angela Leal como a mãe de Ritinha. A direção ficará a cargo de Moacyr Góes, que já dirigiu uma montagem da história em 2000, e o orçamento previsto está no patamar de três milhões de reais.

A equipe recebeu a imprensa no Cine Odeon na última sexta-feira, para uma coletiva de anúncio do projeto. Um dos focos de maior curiosidade era Letícia Colin, de 18 anos, escolhida dentre mais de 40 candidatas para viver a polêmica Maria Cecília. A jovem atriz demonstrou segurança e firmeza e disse ter baseado toda sua composição de personagem no texto original: "O filme é uma versão da peça (...) Não tem a ver com o outro filme, tem a ver com a peça."

O ator Leon Góes, que foi Edgard na versão teatral de Moacyr e agora interpreta o alcoviteiro Peixoto - exemplo do que Edgard se tornará caso se venda -, arrancou risadas dos presentes ao comentar o fato de agora estar fazendo um personagem mais velho: "O próximo passo é fazer o Dr. Werneck".

João Miguel, uma dos atores mais presentes no cinema nacional do momento, já atuou em três peças de Nelson Rodrigues e se mostrou um conhecedor apaixonado da obra do autor:

"Esse personagem, o Edgard, é um herói desconstruído. Um herói que quase não é herói, porque eu acho que o Nelson fala da classe média brasileira como ninguém e compõe o cidadão que passa por esses conflitos do poder, do amor, da vida, numa via-crúcis de sobrevivente."

O ator se mostrou, ainda, muito satisfeito com os rumos do projeto e com o entrosamento com a equipe:

"Quando eu vejo o Moacyr falar, vejo que ele carrega essa paixão também. E o grande prazer é o encontro pela paixão (...) E esse elenco maravilhoso, e os novos colegas que a gente conhece. Se não tiver isso, fica sem graça. Se não tiver o amor, se não tiver o desafio, fica tudo muito previsível."

Bonitinha, Mas Ordinária tem previsão de filmagem para as próximas quatro semanas, mas ainda não há estimativa de uma data de lançamento para o longa.

Artista ou Celebridade?

"Num mundo muito marcado pela celebridade, quem tá começando a carreira tem que tomar essa decisão: ou você se transforma num ator, e isso é uma definição de vida, ou você se contenta em ser célebre. Aí os seus valores são outra coisa. E não existe contradição entre ter uma carreira de ator ou atriz e ser célebre. Mas é uma decisão que você tem que tomar. E ela chega quando determinados personagens se apresentam."

- Moacyr Góes, elogiando a seriedade e dedicação da atriz Letícia Colin

Cada Um Com Seu Cinema

Em comemoração ao 60º aniversário do Festival de Cannes, Gilles Jacob, presidente do evento, convidou 34 cineastas do mundo inteiro para contribuir com um curta de três minutos. Essa é a proposta de Cada Um Com Seu Cinema: diferentes estilos e abordagens, tendo como tema em comum o amor ao cinema. Ou a visão particularíssima de cada um sobre o assunto. Dentre os realizadores, destacam-se nomes como David Cronenberg, Roman Polanski, Walter Salles, Lars Von Trier, Zhang Yimou, David Lynch e Alejandro González-Iñárritu.

Numa obra conjunta, ainda mais uma tão fragmentada como essa, é até injustiça exigir perfeição de todos os segmentos que a compõem. Estão aí de exemplo realizações parecidas, como Paris, Eu Te Amo e Crianças Invisíveis. E Cada Um Com Seu Cinema ainda tem como complicação extra a curtíssima duração de cada segmento.

A boa notícia é que, apesar dessas adversidades, o filme consegue se nivelar por cima, ou seja, o número de bons curtas excede em muito o número de curtas insatisfatórios. O que se pode apontar é uma tendência pouco inovadora na maioria dos curtas orientais (alguns chegam a ser prosaicos). O de Wong Kar-Wai, por exemplo, parece uma versão reduzidíssima de algum de seus longas. Já daqui da banda ocidental, merece um bom puxão de orelhas Gus Van Sant. Seu filme é, no mínimo, preguiçoso. Mas essas pequenas decepções são, de fato, minoria.

O grande destaque fica com o delicioso Ocupação, de Lars Von Trier, onde o próprio cineasta aparece no escurinho do cinema sendo torturado por um vizinho de poltrona inconveniente. Também merece aplausos a inteligente alegoria de David Cronenberg em O Suicídio do Último Judeu do Mundo no Último Cinema do Mundo. O título dispensa outros comentários. Provocação também é a marca registrada de Final Feliz, de Ken Loach, que apresenta novas e hilárias sinopses de estilos de filmes que vemos todos os dias em cartaz. Também chamam a atenção as surreais contribuições de Jane Campion e David Lynch – cujo nome, estranhamente, não aparece creditado no cartaz do longa.

Noves fora, o espectador de Cada Um Com Seu Cinema sai da sala escura com um saldo positivo de olhares ternos, engraçados, críticos e muito originais sobre o amor pela sétima arte. O filme estréia no dia 7 de março.

Trailer do novo Indiana Jones

É impossível não se arrepiar quando começa a tocar a clássica música-tema da série.

Leia mais: Confira o trailer de “Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal”

A Mulher Invisível

Não é muito comum a realização de coletivas sobre o início das filmagens de um longa-metragem. Apesar de servir como apresentação do produto à mídia, a conversa gira sempre em torno da preparação, do que se propõe, do que se espera que seja o filme quando ele estiver pronto. Como não há ainda o filme em si, que se possa conferir e analisar, tudo fica muito no campo do abstrato e do planejamento.

Apesar desta dificuldade, foi apresentado hoje pela manhã em coletiva no cinema Odeon, no Rio de Janeiro, o projeto do longa-metragem “A Mulher Invisível”. Estiveram presentes o diretor Cláudio Torres (Redentor), os atores Selton Mello (Meu Nome Não é Johnny) e Luana Piovani (O Homem que Copiava), os produtores José Carlos de Oliveira (Warner Brasil), Carlos Eduardo Rodrigues (Globo Filmes), Eliana Soarez e Luiz Noronha (Conspiração Filmes).

É inegável que desde já trata-se de um filme que desperta uma certa expectativa, pela excelência de Redentor e pela competência de Selton Mello, merecidamente anunciado como o “homem do cinema, o que melhor representa o cinema brasileiro hoje”. As filmagens de “A Mulher Invisível” terão início já nesta segunda, contando também com as presenças de Vladimir Brichta (Fica Comigo Esta Noite), Maria Manoella (Crime Delicado), Fernanda Torres (Saneamento Básico, o Filme) e Paulo Betti (Ed Mort) no elenco. Para tanto foi construído um cenário de 120 m2 em estúdio, com o filme tendo ainda cenas externas na cidade do Rio de Janeiro e uma a ser rodada em Teresópolis, que servirá de cenário para Minas Gerais.

Com roteiro de autoria do próprio Cláudio Torres, a história trará dois amigos que têm posições antagônicas sobre o casamento: Pedro (Selton Mello) acredita em sua viabilidade, enquanto que Carlos (Vladimir Bricha) o considera impossível de dar certo. Após ser abandonado por sua mulher Pedro entra em depressão, criando em sua mente a mulher ideal (Luana Piovani). Completamente apaixonado por ela, mesmo sabendo que nada mais é do que sua imaginação, Pedro não percebe a paixão secreta que Vitória (Maria Manoella), sua vizinha, nutre por ele. E assim caminha esta comédia romântica, que segundo seu diretor não terá qualquer efeito especial, ao contrário de seu filme de estréia. “O efeito especial é o elenco”, sentenciou.

Em meio às conversas sobre a preparação dos atores surgiram algumas informações sobre outros projetos de cinema. Uma delas é que Feliz Natal, estréia de Selton Mello como diretor, está finalizado. Além disto Selton estará no próximo filme a ser dirigido por Júlio Bressane, cujas filmagens começarão tão logo as de “A Mulher Invisível” terminem. Já Luana Piovani rodou um filme no sul do país nos últimos meses de 2007, além de ter mais uma produção agendada para este ano. A conversa com os dois manteve um ritmo descontraído, especialmente quando foi perguntado a Selton qual seria sua mulher ideal e se Luana estaria no nível dela.

Orçado em R$ 6 milhões, “A Mulher Invisível” terá suas filmagens encerradas em março deste ano. A previsão é que seu lançamento nos cinemas de todo o país ocorra no 1º semestre de 2009, ainda sem data definida.

Frase do Dia

“Se você assistir aos meus filmes vai me conhecer bem. Mais do que se conversasse comigo.”

(Selton Mello, na coletiva de apresentação de “A Mulher Invisível”)

Retorno

Após uma longa viagem, estou de volta. De volta aos afazeres no Adoro Cinema, de volta também à participação no Blog. Confesso que já estava sentindo falta desta rotina.

Ao longo deste período recebi várias mensagens, as quais respondi na medida do possível, questionando sobre diversos problemas ocorridos com o Adoro Cinema. Alguns foram decorrentes deste meu período ausente, outros devido a problemas inesperados. O que desejo deixar claro a todos os nossos leitores é que estamos buscando resolvê-los o mais rapidamente possível. As pendências em relação a atualizações começaram a ser corrigidas nesta semana, em todas as seções do site. Os filmes já em cartaz e que ainda não possuem ficha própria em nosso acervo as terão ainda nesta semana, sem falta. De agora em diante o Adoro Cinema voltará ao seu funcionamento normal, trazendo informações frequentes sobre o que acontece na sétima arte, como tem sido sua marca ao longo destes quase 8 anos de existência.

Quero também ressaltar o belíssimo trabalho feito por Erika Liporaci nesta minha ausência, não apenas em suas colunas mas também segurando sozinha as atualizações do Blog, além de em várias situações representar o Adoro Cinema e auxiliar na manutenção do site. Uma participação inestimável, que precisa e merece ser reconhecida.

Mas chega de papo que há muito trabalho pela frente. É muito bom estar de volta.

Elizabeth - A Era de Ouro

Eu me lembro bem da primeira vez que vi Cate Blanchett na tela. Foi em 1998, ao assistir a Elizabeth. Na época, fiquei igualmente impressionada com o talento e o que me pareceu uma incrível feiúra da atriz. Mas bastou que Cate aparecesse belíssima nas premiações para mostrar que a feiúra não passava de um excelente trabalho de caracterização. Ficou apenas o assombro com seu talento dramático que, aliás, continua me encantando até hoje. Sobre o primeiro Elizabeth, era um bom filme, ainda que Cate e sua hipnótica presença sempre tenham sido maiores que ele. Nove anos e um Oscar depois (por O Aviador), a atriz volta a encarnar a mítica rainha inglesa em Elizabeth – A Era de Ouro.

Esta segunda parte da trilogia que o diretor Shekhar Kapur pretende realizar enfoca o período intermediário do longo reinado da chamada “Rainha Virgem”. O ano é 1585 e Elizabeth está há quase três décadas no trono quando atrai a ira e ganância do poderoso rei espanhol Felipe II. Católico fanático e devoto dos terrores da Inquisição, Felipe anseia por conquistar a Inglaterra, destronar a protestante Elizabeth e colocar em seu lugar a católica Mary Stuart, rainha da Escócia - além de prima e prisioneira de Elizabeth.

Enquanto se concentra no lado histórico e das intrigas palacianas, Elizabeth até consegue ser um filme interessante. Não apenas por mostrar os meandros do jogo político e da alta traição, mas também pelo modo como a rainha e seu conselheiro, Sir Francis Walsingham, realizam uma espécie de marketing político e torcem a seu favor o fato dela nunca ter se casado nem gerado um herdeiro, habilmente transformando a (suposta) castidade em santidade e dando-lhe uma aura divina.

O grande problema é quando, a certa altura, o filme centra seu poder de fogo no triângulo amoroso formado pelo aventureiro Sir Walter Raleigh, Elizabeth e sua dama de companhia preferida (aliás, o início do filme parece sugerir uma atração entre as duas que não se concretiza). Aí o filme vira novelão mesmo, com direito a ceninhas de ciúme e diálogos inacreditáveis. Nesta segunda metade, a fragilidade do roteiro ajuda a evidenciar ainda mais certos exageros que já estavam ocorrendo, como cenas alongadas muito além do necessário ou seqüências inteiras que nada acrescentam à trama e que parecem ter sido rodadas apenas para exibir a bela fotografia. Sem contar a irritante trilha sonora grandiloqüente, com direito até a violinos sublinhando a morte de um personagem.

Um bom exemplo dessa gratuidade visual está na cena em que Elizabeth aparece à frente de seu exército usando peruca de guerra. Eu explico: ao longo do filme vemos que ela tem cabelos quase tosados (e piolhos) e usa aquelas perucas elaboradas para aparecer na corte. OK. Normal. Mas, mesmo frisando bem este detalhe em inúmeras cenas, quando ela surge à frente do exército está usando armadura e longuíssimos cabelos ruivos ao vento. Por que alguém se vestiria para a guerra de armadura e peruca? Certamente a hair stylist argumentaria que a rainha queria se mostrar bela para os soldados, mas tal desvario só faz o espectador lembrar das rainhas de bateria.

Esse artificialismo pontua todo o filme, mas tudo fica mais incômodo à medida que a trama avança e vai deixando pontas soltas em vários aspectos importantes do lado histórico para se concentrar nos delírios estéticos. Vários assuntos explorados antes perdem importância subitamente, como a revolta interna dos católicos ingleses. Os revoltosos simplesmente desistiram diante da queda de Mary Stuart? Sem contar a batalha no mar, que parece se resolver sem muito esforço. O que não combina muito com uma cena anterior que mostra o poderio esmagador da armada espanhola. Mas, em vez de amarrar esses nós, o diretor prefere anestesiar o espectador com tomadas estonteantes, em que Elizabeth é vista por ângulos privilegiados e iluminada como se fosse o próprio astro-rei.

Claro que Cate Blanchett está, mais uma vez, muito bem no papel. Mas até mesmo esse ponto positivo parece levar esta seqüência a um patamar inferior ao do primeiro filme, já que é uma continuação do mesmo papel e, portanto, a ótima interpretação de Cate como Elizabeth não chega a ser uma novidade. O filme concorre a dois Oscars: melhor atriz e figurino (se levar o segundo, tá no lucro).

Elizabeth – A Era de Ouro é como um falso brilhante: belo e fascinante à primeira vista, mas não resiste a um exame mais cuidadoso.

Ficha de Elizabeth – A Era de Ouro no Adoro Cinema

Sweeney Todd

As primeiras menções a um certo barbeiro que mataria seus clientes e os transformaria em recheio de tortas remontam ao final do século XIV, na forma de uma balada francesa que as mães usavam para amedrontar filhos desobedientes – uma versão medieval do bicho-papão. Só em 1846 Sweeney Todd aparece por escrito, como personagem de um folhetim chamado The String of Pearls, a Romance, de Thomas Peckett Prest. Logo, o sangrento personagem ganha os palcos (e posteriormente também as telas) em diversas obras pouco conhecidas. Em 1973, Stephen Sondheim assiste, em Londres, à versão teatral mais famosa até então e imagina transformá-la num musical, ambição que realiza seis anos depois. E foi preciso que mais trinta anos se passassem até que o barbeiro demoníaco de Fleet Street ganhasse definitivamente o mundo pelas ousadas mãos de Tim Burton.

Em sua versão para a telona - que é calcada no musical de Sondheim -, o assassino ganha ares de herói trágico. Assim como o Conde de Monte Cristo, Sweeney Todd era um homem pacato até ter sua vida feliz destruída por uma condenação injusta. O motivo? O desejo de um juiz corrupto e poderoso por sua bela esposa. A história começa quando Todd, já transformado pelo desejo de vingança, retorna a Londres e trava amizade com a decadente Sra. Lovett que, esperançosa em conquistá-lo, se torna sua cúmplice.

A trama de Sweeney Todd casa tão bem com o estilo de Tim Burton que chega a ser difícil conceber que não seja uma história original. Que o filme seria primoroso em termos visuais ninguém tinha dúvidas. Mas parecia estranho pensar na junção de tão tenebrosa trama com o gênero musical, geralmente associado à leveza e beleza. Afinal de contas, trata-se de um musical regado a litros e litros de sangue. Sweeney Todd é um filme sombrio, sinistro, mergulhado em sangue e humor negro, mas, ao mesmo tempo, com ares operísticos e um exagero estético que torna toda aquela carnificina meio falsa (no bom sentido). O resultado é uma jóia barroca que só poderia mesmo ser dirigida por Burton e protagonizada por Johnny Depp. Muito bem coadjuvado, é claro, pela ótima Helena Bonham Carter (não por acaso a senhora Burton). Ou seja: todo o projeto está entre amigos e não poderia estar em melhores mãos. E não nos esqueçamos de que o elenco ainda dá conta de cantar, e muito bem. Destaque também para as criativas letras, em especial a que fala sobre a qualidade (ou falta dela) das tortas da Sra. Lovett.

Sweeney Todd foi indicado a três Oscars: ator, figurino e direção de arte. Uma ótima oportunidade de fazer justiça ao incrível Johnny Depp, que, além de compor seu personagem com a genialidade habitual, ainda se revelou um intérprete interessantíssimo também na parte musical. Por outro lado, é uma grande injustiça o longa ter ficado de fora das categorias melhor filme e direção. Ainda mais num ano que não é dos mais concorridos. Mais um capítulo da longa história da má-vontade da Academia com Tim Burton.