Desejo e Perigo

Wang é uma jovem que entra na faculdade de Hong Kong durante a ocupação japonesa na China. Lá ela se envolve com um grupo que faz teatro político, encenando peças que tentam incentivar a resistência chinesa. Quando o sr. Yee, um chinês que agora trabalha para os japoneses, se muda para o local, o grupo decide elaborar um plano para matá-lo, por traição à pátria. Wang é então infiltrada na casa deles, tornando-se amiga da sra. Yee. Aos poucos o sr. Yee demonstra interesse por ela.

A grande polêmica em torno de Desejo e Perigo é se as cenas de sexo são reais ou encenadas. E este é o lado mais intrigante do filme: é difícil responder a esta pergunta, pelo modo como Ang Lee as rodou. Lee busca sempre um ângulo que revele mais do que o usual em cenas de sexo no cinema, mostrando os corpos de Tony Leung e Wei Tang, protagonistas do filme, mas deixando dúvidas se é realmente real ou uma encenação muito bem feita. Não é como em Nove Canções, onde há certeza absoluta de que o sexo filmado foi real. Este mistério que ronda o filme é mérito do diretor, que, com habilidade, rodou tais cenas de forma que provocassem justamente esta dúvida.

Mas Desejo e Perigo não é apenas cenas tórridas de sexo. Pelo contrário, elas são mais complementares do que o eixo central do filme. A trama do grupo de estudantes contra o sr. Yee, e seu desdobramento ao longo de 5 anos, é o tema principal. Apesar de ser uma história até banal, Ang Lee consegue fazer com que jamais se perca o interesse pelo que está por vir. O clima de uma Hong Kong da época da 2ª Guerra Mundial é recriado através de uma bela cenografia e figurino. Há cenas muito bem feitas, como quando Wang precisa ser iniciada sexualmente, para que seu disfarce junto ao sr. Yee não seja desmascarado.

É na 2ª metade do filme que surgem as cenas de sexo, quando Wang e o sr. Yee enfim se aproximam. Surge então a pergunta relacionada ao título: até que ponto o sexo em si, apenas ele, mexe com o sentimento de uma pessoa? Wang está lá por causa de uma trama para matar o sr. Yee, mas não é insensível ao que acontece. A cena em que explica seus sentimentos aos integrantes da trama é reveladora neste sentido. Até que ponto ela pode se manter fiel à sua missão, renegando tudo o que sente? A luxúria pode se tornar algo mais significativo? Estes são os grandes questionamentos do filme, o objetivo ao qual toda a trama é conduzida.

Desejo e Perigo é um bom filme, muito bem dirigido por Ang Lee. Apesar de sua história iniciar de forma um tanto quanto simplória, ela cresce junto com o filme. Porém peca por terminar um pouco depois do que deveria, cerca de 5 minutos apenas. Um final em aberto seria mais interessante do que algo que mostrasse o destino dos personagens.

Uma Garota Dividida em Dois

Gabrielle Deneige é a “garota do tempo” de um telejornal. Um dia o consagrado, recluso e casado escritor Charles Saint-Denis vai ao estúdio para gravar uma entrevista, onde eles se conhecem. Logo estão tendo um caso. Ao mesmo tempo Gabrielle é assediada por Paul Gaudens, o mimado herdeiro de um famoso laboratório.

Ludivine Sagnier não é má atriz, mas ultimamente tem se repetido nos filmes. Aqui ela mais uma vez faz uma jovem belíssima, que deixa todos os homens à sua volta de queixo caído, mas sua personagem não vai muito além disto. Em certos momentos parece até um bibelô, algo que está lá apenas para enfeitar. Não que seja desagradável vê-la em cena, longe disto, mas sempre espera-se um pouco mais de quem pode dar este retorno. Neste Uma Garota Dividida em Dois ela está bem apática.

O filme recria a proposta do triângulo amoroso, com a personagem de Sagnier como elo central: apaixonada por um escritor que apenas a vê como mais um caso e assediada por um playboy mimado que a quer de qualquer jeito. De início o filme tem um tom cômico, principalmente pelos trejeitos e caprichos de Paul Gaudens - Benoît Magimel, o melhor em cena -, mas aos poucos migra para o drama e termina como um policial. A última mudança é bastante brusca, fazendo com que o filme mude o foco para um escândalo que é tratado de forma bem conservadora - nada é mostrado e muito pouco é até mesmo dito. Para completar há uma analogia barata relacionada ao título em seu desfecho, que é péssimo.

Uma Garota Dividida em Dois é daqueles filmes que até começam bem, com elementos interessantes, mas que perde força à medida que a trama se desenvolve. Apenas mediano.

Nota: 5,5

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Pequenas Histórias

Uma série de “causos” do interior, envolvendo personagens da cultura popular brasileira, contadas por uma mulher que costura na varanda de uma fazenda.

Um filme bem ingênuo, nostálgico, que busca resgatar um pouco da cultura do interior do país. São 4 as histórias apresentadas: da Iara, da procissão das almas, do Papai Noel e de Zé Burraldo. Todas são contadas pela personagem de Marieta Severo, que olha e conversa com o público durante a projeção, numa tentativa de criar um elo com quem está assistindo. Todas são histórias simples, agradáveis de se ver, algumas com elementos que provavelmente o espectador já leu ou ouviu falar. Destaque positivo para a de Zé Burraldo, a mais divertida e que conta com a boa atuação de Gero Camilo, e negativo para o desfecho da história do Papai Noel, bem contraditório.

É mais voltado para o público infantil, apesar de que tenho sérias dúvidas se as crianças de hoje, acostumadas com os Pokémons da vida, teriam interesse por algo tão simples e singelo.

Nota: 6,0

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Avaliação Geral

Chegou ao fim o Festival do Rio. Uma tremenda maratona que me deixa de ressaca cinematográfica por alguns dias, sem querer ver qualquer filme pela frente. Afinal de contas, foram 87 filmes em apenas 21 dias. Como bem disse a Erika, é preciso dar um descanso à mente e ao corpo após seu término.

A edição deste ano teve poucos grandes filmes e vários filmes ruins. Fiz um levantamento entre as notas que dei e 29 delas foram inferiores a 5. Igual ou acima de 8 foram apenas 11, apenas um a mais que o suficiente para completar a lista dos melhores. Destaque negativo para a Première Latina, uma das minhas mostras prediletas, que este ano foi decepcionante - apesar que não pude assistir a “Silenciosa Luz” e “La Señal”, elogiados por várias pessoas.

Entre os que estavam na minha lista e não pude assistir - minha programação mudava várias vezes durante o Festival, às vezes até no mesmo dia -, os destaques ficam com “Império dos Sonhos”, “Controle - A História de Ian Curtis”, “A Culpa é do Fidel!” e “Morte do Presidente”. Este último pelo simples fato de não ter chegado ao Festival, sendo substituído de última hora na programação.

Mas, independente da programação ser melhor ou pior do que em anos anteriores, é sempre muito bom acompanhar o Festival do Rio. Não só pelo prazer em assistir aos mais diversos filmes mas pela própria adrenalina do evento, por reencontrar amigos e conhecidos que os afazeres diários acabam afastando. É cansativo, física e mentalmente, mas é também muito prazeiroso. E por isso, quando termina, quem o cobre está exausto mas também com uma ponta de saudade de tudo que passou e já começando a pensar no que pode aparecer na edição do ano que vem.
Mas chega de papo e vamos às minhas listas dos melhores e piores deste Festival do Rio.

10+

1 - Tropa de Elite
2 - Piaf - Um Hino ao Amor
3 - Sonhando Acordado
4 - O Escafandro e a Borboleta
5 - I’m Not There
6 - 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias
7 - Paranoid Park
8 - S.O.S. Saúde
9 - Ainda Orangotangos
10 - O Expresso Darjeeling


10-

1 - Caixas
2 - Eichmann
3 - Garrafas Vazias
4 - Olá, Frank!
5 - Cem Pregos
6 - Meu Nome é Dindi
7 - Married Life
8 - People - Histórias de Nova York
9 - Shortbus
10 - Confissões de Lagerfeld

Em Paris

O ciúme faz com que Paul termine seu relacionamento com Anna, com quem vivia junto, e volte para a casa do pai. Lá também vive Jonathan, seu irmão mais novo, que leva a vida na base da brincadeira e tendo vários casos.

A abertura é com o personagem Jonathan conversando com o espectador, na tentativa de criar algum elo entre público-filme. O próprio Jonathan diz que não é ele o personagem principal desta história, mas que teve participação fundamental. Este é o grande problema do filme.

“Em Paris” começa falando sobre as dificuldades em um relacionamento amoroso, que culmina com a depressão de Paul quando volta a morar com o pai. Enquanto é este o foco da trama ela até funciona bem, sendo um drama maduro. Só que quando Jonathan entra em cena põe quase tudo a perder. Trata-se de um daqueles personagens que tentam ser engraçadinhos, fazendo brincadeiras bobas sobre tudo, como forma de atenuar o lado mais pesado da história. E, com isso, torna-se irritante.

Caso “Em Paris” tivesse mais de Paul e Anna e menos de Jonathan o filme melhoraria bastante, pela história e também pelos próprios personagens. Mediano apenas.

Em Paris (Dans Paris), de Christophe Honoré, França, 2007, 90′ (LP)

Mostra Panorama

Nota: 5,0

Caixas

Anna é uma mulher em torno de 50 anos, que mudou-se recentemente para uma grande casa no litoral. Lá ela passa a receber a visita de pessoas importantes de sua vida, que estão distantes ou já faleceram.

Insuportável! Não dá para definir “Caixas” de outra forma. O filme inteiro é uma divagação da protagonista com seus fantasmas do passado, lembrando memórias desinteressantes e muitas vezes desconexas. O início até prende a atenção, mas logo com 15 minutos pode-se perceber que aquela verborragia não levará à nada, a não ser à sensação de sono profundo. É exatamente o que acontece.

O pior filme que pude assistir neste Festival do Rio.

Caixas (Boxes), de Jane Birkin, França, 2007, 95′ (LEP)

Mostra Panorama

Nota: 0

A Era da Inocência

Jean-Marc Leblanc é um funcionário público de Quebec, que leva uma vida monótona. Casado e pai de duas filhas, ele é praticamente ignorado pelas mulheres de sua vida. Para compensar Jean-Marc sonha com situações em que ele é alguém importante, sendo sempre rodeado por belas mulheres.

Denys Arcand usa um humor fino para criticar os dias atuais, onde reina o politicamente correto e as pessoas buscam meios para levar uma vida mais excitante. Jean-Marc é daquelas pessoas que levam uma vida chatíssima e têm consciência disto. Sua válvula de escape são os sonhos, através dos quais pode realizar suas fantasias e ao menos amenizar suas frustrações. Estas sequências são bastante divertidas, pelo próprio inusitado que proporcionam e também pelo contraste com a vida real de Jean-Marc. Mas o melhor é o que ocorre em seu trabalho, onde o politicamente correto é confrontado com o absurdo de determinadas situações, quando este é levado mais a sério do que deveria.

A Era da Inocência funciona muito bem em sua 1ª metade, até que seu foco passa a ser não as pessoas que sonham com outra realidade mas que tentam recriá-la. Trata-se de uma crítica explícita aos adoradores da trilogia O Senhor dos Anéis, mais especificamente aqueles que se vestem como os personagens e criam locais como se estivessem na própria Terra Média. A crítica funciona ao ser apresentada, mas é estendida demais. A partir de então o filme começa a perder o tom de crítica, sua maior qualidade, e segue o caminho do próprio Jean-Marc, que passa a lidar mais com a realidade à sua volta. E torna-se bem mais desinteressante, culminando em um péssimo final.

A Era da Inocência (L’Âge des ténèbres), de Denys Arcand, Canadá, 2007, 104′ (LEP)

Mostra Panorama

Nota: 6,0

O Casamento de Tuya

Tuya é uma pastora de ovelhas, que vive nas planícies da Mongólia e cuida de seu marido doente e os dois filhos. Como ela precisa de ajuda no trabalho, seu marido sugere que se separe dele e arranje outro homem. Tuya aceita a proposta, mas exige que seu novo marido cuide também do antigo, que deve morar também com ela e as crianças. Surgem vários pretendentes, mas o casamento sempre esbarra nesta exigência.

A idéia do filme é inusitada. A facilidade com que Tuya aceita a proposta de substituir o marido por alguém que possa ajudá-la no trabalho, independente dela gostar ou não dele, chega a surpreender. O casamento é tratado como um acordo que nada tem a ver com amor, carinho ou entendimento entre homem/mulher, mas como um mero contrato que fará com que duas pessoas trabalhem juntas. Filhos, família e tudo o mais são detalhes, com bem menos importância. É claro que isto não chega a ser novidade, visto os inúmeros casos de pessoas que se casam para obter cidadania de outro país ou para conseguir algum benefício específico. Mas “O Casamento de Tuya” tem algo diferente neste sentido, pelo objetivo ser bem mais simples do que nestes casos. Tuya já está casada e precisa apenas de alguém que possa ajudá-la. Ela não tem a pretensão de ser rica nem sonha com algo grandioso, quer apenas alguém que a ajude em seu trabalho atual mesmo. A naturalidade com que a opção de se casar novamente é tratada, e o fato dela ter sido dada pelo próprio marido, incomoda por causa disto. É uma mudança muito grande por um motivo tão pequeno.

O decorrer do filme é basicamente o impacto que esta mudança causa em Tuya e sua família. Pois, apesar da decisão ter sido tomada de forma bem natural, mudar o cotidiano familiar não é algo tão simples assim. Por mais que seja uma decisão pensada, o lado emocional também pesa. A exigência de Tuya de permanecer próxima ao marido é uma forma de atenuar esta situação, mas por outro lado como justificá-la ao novo marido? Lidar com a vontade de ter alguém para ajudá-la no trabalho e a vontade de permanecer próxima à família, mesmo sabendo que ter ambos seja bastante complicado, é o grande conflito existente em Tuya e na própria história.

Um bom filme, apesar de certas cenas serem bem simplórias.

O Casamento de Tuya (Tuya De Hun Shi), de Wang Quan’an, China, 2006, 92′ (LEP)

Mostra Foco China

Nota: 7,0

Pérolas e Abacaxis

Três semanas (as sessões para imprensa começam um pouco antes) e 74 filmes depois, me despeço do Festival do Rio 2007. É claro que ainda está rolando a repescagem, mas, a essa altura, é preciso recuperar o corpo e arejar a mente. E ficar pelo menos duas semanas longe das salas escuras!

Fazendo uma retrospectiva dessa edição, reparo que foi um ano de muitos filmes bons e poucos realmente excepcionais. No mais, foi um ano tranqüilo. Com exceção de Inland Empire, do David Lynch, consegui ver todos os filmes que considerava imperdíveis. Me arrependi um pouco de não ter priorizado Paranoid Park e Piaf - Um Hino ao Amor, já que depois ouvi maravilhas sobre os dois filmes, mas faz parte do esquema do Festival. Você sempre vai perder alguma coisa imperdível… É preciso saber administrar isso.

Eis meu ranking de melhores e piores, dentre os filmes vistos:

10 +

1. Tropa de Elite
2. Sonhando Acordado
3. Lust, Caution
4. SOS Saúde
5. Sem Fôlego
6. I’m Not There
7. 4 meses, 3 semanas, 2 dias
8. Ainda Orangotangos
9. Amor e Outros Desastres
10. La Señal

10 -

1. Amor Fantasma
2. Eichmann
3. People - Histórias de Nova Iorque
4. Bunny Chow
5. Cem Pregos
6. Uma Velha Amante
7. Bluff
8. Shortbus
9. Garrafas Vazias
10. Goodbye Bafana

Vá Logo e Volte Tarde

Jean-Baptiste é um conceituado policial que está diante de um caso inusitado: alguém está pintando nas portas de prédios de Paris um estranho símbolo, relacionado à época em que a peste negra dizimou grande parte da população européia. Além disto são enviadas mensagens através de um homem que lê cartas numa praça bem no centro da cidade, as quais alertam para o retorno da peste. Jean-Baptiste é conhecido por seu “sexto sentido” ao perseguir criminosos, mas está agora abalado devido ao fim de um relacionamento.

Filme de suspense banal, que segue à risca a fórmula do gênero: um criminoso engenhoso, cujo motivo é desconhecido e que dá bastante trabalho à polícia. A idéia de ligar os ataques à peste negra é boa, especialmente na repercussão que isto traz à população de Paris. Quando os ataques tornam-se públicos nasce um natural desespero, com os próprios habitantes pintando suas portas com o símbolo e passando a usar máscaras, por medo de contrair a peste. Algo não muito diferente do que pôde ser conferido em Nova York, pouco após os ataques terroristas de 11 de setembro. Porém a atitude das pessoas diante de notícias deste tipo, com a consequente auto-defesa que de alguma forma tentam ter, é mostrada apenas por alto. O foco da história não é este, e sim a perseguição de Jean-Baptiste ao assassino. Ou seja, o mesmo jogo de gato-e-rato da grande maioria dos suspenses policiais.

Ainda assim é um filme mediano, que peca em dois grandes pontos: o “sexto sentido” de Jean-Baptiste, que repentinamente indica o rumo correto da investigação; e a direção de Régis Wargnier, que dá boas pistas sobre quem é o assassino ao dar especial atenção, sem motivo aparente naquele instante, a determinados personagens.

Vá Logo e Volte Tarde (Pars Vite et Reviens Tard), de Régis Wargnier, França, 2007, 116′ (LEP)

Mostra Panorama

Nota: 5,5

Meu Nome é Dindi

Dindi é a dona de uma quitanda tradicional, que está na família há três gerações. Ela enfrenta dificuldades devido à inauguração de um supermercado, que fez com que tenha uma grande dívida com o açougueiro. Simultaneamente surge em sua vida um estranho homem, que tenta entrar em contato com ela.

Nos anos 70 e 80, principalmente, o cinema brasileiro ficou conhecido por seus filmes autorais, feitos para um grupo reduzidíssimo de pessoas e sem qualquer preocupação em atender ao espectador comum. Foi nesta época - não apenas por este motivo, mas também por isto -, que nasceu no inconsciente coletivo a idéia de que “cinema nacional não presta”. Um preconceito que durou por muito tempo e que apenas reverteu, parcialmente, a partir da Retomada.

“Meu Nome é Dindi” lembra bastante os filmes desta época. É cinema pelo cinema, experimental, sem qualquer preocupação com mercado ou público. O que não é demérito, pois quando bem feito este tipo de filme pode ganhar tons simbólicos ou intrigantes que chamem a atenção. Mas também não é isto que acontece. Os simbolismos mostrados são rasos, gratuitos. A história é mal narrada, com personagens surgindo e desaparecendo repentinamente. A própria trama é frágil, já que o tema inicial, da dívida com o açougueiro, é abandonado sem grandes explicações. Aliás, explicação é o que menos há neste filme.

O desastre é tamanho que até mesmo Gustavo Falcão, bom ator, está canastrão em cena. Djin Sganzerla até se esforça mas é prejudicada pelo roteiro, que não permite que sua personagem se desenvolva. Isto fora a falta de cuidado com detalhes da própria caracterização dos personagens, como a vizinha que pede algo e, ao surgir em cena, parece que está posando para um álbum ou o cabelo do próprio Gustavo Falcão, incompatível para qualquer militar que tente aparentar alguma veracidade. Pode-se até dar um certo desconto pela rapidez com que o filme foi rodado, apenas uma semana, mas com tantas falhas talvez a melhor opção fosse trabalhar mais lentamente, de forma que o roteiro e o próprio filme pudessem ser melhor desenvolvidos.

Meu Nome é Dindi (idem), de Bruno Safadi, Brasil, 2007, 85′

Mostra Première Brasil - Novos Rumos

Nota: 1,0

As Rosas do Deserto

Durante a 2ª Guerra Mundial um batalhão médico italiano é enviado para o deserto da Líbia. Eles são designados para cuidar dos feridos mas têm pouco contato com a guerra, a qual sabem detalhes através de jornais e comentários. Com isso o comandante passa os dias escrevendo cartas de amor para sua esposa, enquanto que os demais integrantes buscam algo para ocupar o tempo.
Fica nítido que o diretor Mario Monicelli - atualmente com 92 anos - teve um orçamento apertado para dirigir este filme. Apesar do distanciamento da guerra ser requerido pela própria história, há momentos em que é possível perceber que determinadas situações não são mostradas devido a esta opção, mas pela impossibilidade da própria produção. Outro momento em que isto pode ser notado é nos veículos usados, cuja pintura aparenta ser bastante recente, sem que tenha sido feito um processo para desgastá-la. Estes pequenos detalhes fazem com que o filme perca bastante de sua veracidade.

Monicelli traz aqui um misto de comédia e drama envolvendo a guerra. Algo parecido com o que Roberto Benigni fez com A Vida é Bela, só que com bem menos impacto e qualidade. O filme chega a divertir em alguns momentos, principalmente pelo lado meio atabalhoado típico dos italianos e a rixa que aos poucos nasce com o exército alemão. Por outro lado há sempre a sombra da guerra que, apesar de pouco ser vista, influencia de forma decisiva. Bom filme, com destaque especial para o frade, que tem algumas das melhores tiradas da história.

As Rosas do Deserto (Le Rose del Deserto), de Mario Monicelli, Itália, 2006, 102′ (LEP)

Mostra Panorama

Nota: 6,5

O Acompanhante

Carter Page III costuma acompanhar mulheres da elite de Washington em festas e recepções, sempre que seus maridos não podem comparecer. Carter não é uma ameaça a eles, já que é homossexual. Um dia ele leva uma de suas acompanhantes até à casa de um conhecido em comum. Lá ela o encontra morto, o que faz com que peça a Carter que a leve para casa e não diga que ela esteve no local do crime, pois isto criaria um escândalo para o marido, que é político. Carter atende ao pedido, mas logo ele próprio passa a ser suspeito de ter cometido o crime.

Bom filme, cuja história gira em torno do mundo de intrigas e fofocas da política. Pouco do que acontece é dito de forma direta, com as informações sendo transmitidas geralmente por terceiros. O filme peca pelo seu ritmo excessivamente lento, que cansa um pouco, apesar da história ser interessante. Destaque para a boa concepção de personagem de Woody Harrelson, que está bem em cena.

O Acompanhante (The Walker), de Paul Schrader, UK/EUA, 2007, 107′ (LEP)

Mostra Panorama

Nota: 6,0

Cada Um Com Seu Cinema

Uma coletânea de curtas-metragens de 35 diretores de diversas partes do planeta, cada um deles com 3 minutos de duração e tendo o cinema como tema.

Filmes compostos por curtas costumam ser irregulares - exceção feita ao ótimo Paris, Te Amo. Este ainda tem o problema de que cada curta tem apenas 3 minutos, o que limita bastante a criatividade dos diretores. Com isso pode-se perceber que certos temas se repetem, como a presença de um cego vendo um filme, carícias na sala escura ou memórias afetivas ligadas ao cinema. A falta de tempo disponível fez com que os diretores muitas vezes optassem para o lugar comum em torno do cinema, ao invés de tentarem desenvolver ou criar algo diferente.

Entretanto as memórias afetivas são as que proporcionam os melhores momentos de "Cada Um Com Seu Cinema”, por serem mais fiéis ao espírito do filme proposto por Gilles Jacob, presidente do Festival de Cannes, que bancou o filme como forma de comemorar os 60 anos do evento. Todos temos nossas memórias ligadas ao cinema, o que nos aproxima ao ver algum dos diretores retratando este tipo de sentimento. O curta de Claude Lelouch, por exemplo, é primoroso neste sentido. Os de Nanni Moretti, falando sobre os ídolos e as diferentes formas de se ver cinema; de Abbas Kiarostami, retratando as reações do público a Romeu e Julieta; e de Youssef Chahine, apresentando uma situação de sua própria carreira dentro do Festival de Cannes, também seguem este estilo e estão entre os melhores.

Há ainda os curtas que conseguem ser criativos, desenvolvendo uma história em tão pouco tempo, como os de Roman Polanski, David Cronenberg e Lars von Trier. Todos também muito bons. Já os demais variam entre o mediano e o fraco, com destaque negativo para os diretores que resolveram ignorar o tema e rodar curtas sobre o que quisessem, sem nada ter a ver com cinema. Wim Wenders e Manoel de Oliveira estão nesta lista.

Cada Um Com Seu Cinema (Chacun Son Cinema), França, 2007, 119′ (LEP)

Mostra Cannes 60 Anos

Nota: 6,0

5 Frações de uma Quase História

Cinco histórias acontecem simultaneamente: um fotógrafo fascinado por pés busca uma modelo que aceite posar para ele; um homem busca fugir de sua vida; um funcionário público recebe uma proposta de um juiz corrupto; um homem descobre a traição de sua esposa; e uma mulher combina um encontro às cegas num parque, com alguém que conheceu através de um programa de rádio.

“5 Frações de uma Quase História” poderia ser desmembrado em cinco curtas-metragens sem grande dificuldade. Porém a interligação existente é tão bem feita, tão convincente, que agrada, mesmo que todas as histórias sejam independentes em relação às demais.

Em todas as histórias é possível perceber um capricho na produção, especialmente na fotografia e na edição. A melhor delas é a última, também a mais divertida, estrelada por Cynthia Falabella. Leonardo Medeiros dá o tom certo na história de abertura, interpretando um homem que não consegue se conter a cada vez que vê um pé feminino. A história do marido traído é bem feita, apesar de não ser nem um pouco original. E a que destoa do filme é a 2ª, bem cansativa.

No todo trata-se de um bom filme, com histórias interessantes e uma interligação que acaba dando um charme a mais.

5 Frações de uma Quase História (idem), de Armando Mendz, Cris Azzi, Cristiano Abud, Guilherme Fiúza, Lucas Gontijo e Thales Bahia, Brasil, 2007, 95′

Mostra Première Brasil - Novos Rumos

Nota: 6,5

O Outro

Juan Desouza vive sufocado entre o trabalho burocrático e suas obrigações como chefe de família. Durante uma viagem de negócios, descobre que o homem sentado ao seu lado no ônibus está morto. O fato desencadeia em Juan uma súbita sede de liberdade e ele decide passar mais alguns dias fora de casa. Juan inventa novas identidades e profissões, explorando a experiência de ser outras pessoas. Grande Prêmio do Júri e Urso de Prata de Melhor Ator no Festival de Berlim 2007.

A estrutura do filme é bem interessante: um homem chega a seu limite e resolve viver outras vidas. Juan não quer mais saber da esposa, do pai doente, do trabalho cansativo. Ele quer ser outra pessoa. A partir dessa boa premissa, o longa, infelizmente, se desenvolve de forma canhestra. O ritmo é lento, como se o diretor não soubesse o que fazer com o personagem quando ele se liberta. Juan não realiza muita coisa digna de nota em suas outras vidas. Pelo contrário, se contenta em ficar sozinho em quartos de hotéis, jantar fora, andar pelas ruas, enfim, um retrato de uma vida cotidiana. Que pode ser extremamente libertadora para o personagem, que finalmente tem algum tempo só para si, mas que não é lá muito atraente para o espectador.

Como ponto alto do longa, destaca-se o excelente trabalho de Julio Chávez como Juan. Não foi por acaso que o ator foi premiado no Festival de Berlim deste ano. É impagável a cena em que Juan, fingindo ser médico, é obrigado a socorrer uma velhinha surtada. Só essa cena já compensa ver o filme.

O Outro (El Otro), de Ariel Rotter, Arg/Fra/Ale, 2007. 83’ (LEP)

Première Latina

Nota: 6,0

Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto

Andy, um executivo afundado em problemas financeiros, convence Hank, seu problemático irmão caçula, a participar de um assalto à pequena joalheria da família. O argumento de Andy é que ninguém sairá prejudicado, já que os pais têm seguro. Além do mais, eles conhecem como ninguém a rotina do local. Mas nada sai como planejado e os irmãos têm que lidar com os trágicos desdobramentos de seu infeliz plano.

Depois do sofrível Find me Guilty, exibido no Festival do ano passado, confesso que estava com um pé atrás com Sidney Lumet. Qualquer diretor que se disponha a trabalhar com Vin Diesel inspira minha eterna desconfiança. A boa notícia é que Lumet aprendeu a lição e, para compensar a bola fora, escalou desta vez um time invejável: Philip Seymour Hoffman, Albert Finney, Ethan Hawke. Os dois primeiros dispensam introduções, o terceiro tem se desenvolvido espantosamente nos últimos anos. De quebra, a geralmente subaproveitada Marisa Tomei em cenas que farão a alegria dos marmanjos.

A história também remete ao Lumet de outros tempos: num ritmo claustrofóbico, o roteiro caminha para uma inevitável colisão de vontades. Os personagens ficam a cada instante mais acuados e, portanto, mais propensos a meter os pés pelas mãos. Nesses casos, o desastre é certo. A trama é um trágico exemplo da verdade contida em frases como “cada ação gera uma reação”. A maioria dos planos perfeitos são perfeitos apenas em teoria, porque em tese não se lida com o imprevisto. E é geralmente o fator-surpresa que bagunça tudo. Lição que os personagens aprendem da maneira mais dolorosa.

Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto (Before the Devil Knows You’re Dead), de Sidney Lumet, EUA, 2007. 117’ (LEP)

Mostra Panorama

Nota: 7,5

Ficha no Adoro Cinema

Paranoid Park

Alex é um jovem de 16 anos, que namora Jennifer e tem Jared como seu melhor amigo. Um dia ele e Jared vão a Paranoid Park, o paraíso dos skatistas. Eles combinam de voltar ao local no sábado à noite mas, de última hora, Jared precisa viajar. Alex decide ir ao local sozinho e lá conhece outros skatistas. Ele aceita o convite de um deles para subir em um trem de carga, sem imaginar o problema que teria.

“Estou fazendo a maior bagunça. Mas fique tranquilo, pois irei contar tudo.”

Esta é a frase que melhor define Paranoid Park. Trata-se de um grande quebra-cabeças, montado aos poucos e com sutileza pelo diretor Gus Van Sant. Os eventos ocorridos com Alex são mostrados de forma não-linear, sendo que a frase acima é dita pelo próprio personagem em determinado momento. Trata-se de um aviso ao espectador, para que saiba o que está por vir.

Paranoid Park foge um pouco do estilo dos últimos dois trabalhos de Gus Van Sant, Elefante e Últimos Dias. O ritmo continua lento, mas não tanto quanto nestes filmes. Há cenas que lembram bastante Elefante, especialmente quando a câmera acompanha Alex andando pelos corredores de sua escola. Entretanto o formato deste é inteiramente diferente: enquanto nos anteriores Van Sant buscava mostrar um painel sobre o que acontecia simultaneamente com vários personagens, aqui é um fato ocorrido com um único personagem, com seu passado, presente e futuro mostrados fora de ordem. Isto o torna um filme intrigante, pois aos poucos são revelados pequenos detalhes que esclarecem o porquê de uma cena anterior ter sido daquela forma ou a atitude de algum personagem. É, como disse antes, um grande quebra-cabeças.

Porém Paranoid Park sofre de um problema crônico do cinema americano: a necessidade de deixar tudo bem explicadinho, todos os pingos nos is. Nem toda história necessita de tantas informações sobre o destino de seus personagens, muitas vezes deixar dúvidas no ar é mais interessante para o filme como um todo e também para o próprio espectador, que pode discutir seus possíveis finais ao término da sessão. As duas últimas cenas têm por função apenas seguir este cacoete do cinema hollywoodiano. Não incomodam, mas são desnecessárias. Ainda assim trata-se de um filme muito bom, o melhor que Van Sant fez desde Gênio Indomável.

Paranoid Park (idem), de Gus Van Sant, EUA, 2007, 90′ (LEP)

Mostra Panorama

Nota: 8,5

O Amor no Tempo do Cólera

O filme narra a saga de Florentino Ariza, que dedica sua vida inteira a obter o amor da inalcançável Fermina Daza. Entretanto, sua obstinação em conquistar a amada não impede que ele a busque em todas as outras mulheres do mundo. Adaptação do romance (quase) homônimo de Gabriel García Márquez.

Adaptações são sempre problemáticas, ainda mais quando se trata de um romance tão consagrado como este. E justiça seja feita: Mike Newell realizou uma transposição competente, mantendo-se bastante fiel ao espírito do livro. O roteiro é bem estruturado e só peca por soar um pouco literário demais em algumas falas, mas nada que comprometa seriamente o trabalho geral. O elenco também é bom, com destaque para o intenso Javier Bardem – e sua incrível capacidade de conferir veracidade a qualquer personagem - e nossa diva Fernanda Montenegro como sua mãe. A direção de arte e os figurinos são primorosos, e retratam com requinte um período que engloba o final do século XIX e o começo do século XX. A maquiagem e o processo de envelhecimento dos personagens também são bons, com algumas exceções. Ainda assim, na telona, O Amor no Tempo do Cólera não possui a mesma força dramática da obra original. Por quê? Difícil explicar, já que a produção é bastante cuidadosa e não apresenta nenhuma grande falha. Talvez algumas coisas simplesmente fiquem melhor no papel do que na tela. Pode ser que a explicação seja simples assim.

O Amor no Tempo do Cólera (Love in the Time of Cholera), de Mike Newell, UK, 2007. 138’ (LP)

Mostra Panorama

Nota: 6,5

Film Noir

Um homem acorda, no meio da noite, debaixo do letreiro de Hollywood. Não sabe quem é nem porque está ali. A seu lado, um policial morto. Durante sua fuga do local, recebe um estranho telefonema de alguém que procura por Sam Ruben e diz que o serviço está feito. Mas logo surgem indícios de que ele seria um traficante chamado Dave Hudson. Nesse caso, o que estaria fazendo com o celular de Sam Ruben? Cada vez mais confuso, nosso herói só sabe de uma coisa: alguém está no seu encalço.

Animação interessante, nos moldes do film noir clássico. Pena que não consiga segurar o interesse do espectador até o final. Após a excelente meia hora inicial, o roteiro se torna cansativo e com excesso de reviravoltas e trocas de identidade. O que não seria grave, caso não tivesse faltado o fator essencial de qualquer film noir, ou seja, diálogos mais inteligentes e sarcásticos. No final das contas, o filme acaba se prendendo mais à forma e deixando o conteúdo em segundo plano.

A animação propriamente dita, claramente inspirada no visual de Sin City, tampouco é inovadora. É preciso lembrar que Sin City era tão impressionante justamente por levar para as telas a estética da graphic novel com atores de carne-e-osso. Esse mesmo visual feito em animação… Bom, é mais do mesmo.

Film Noir (idem), de D. Jud Jones e Risto Topaloski, EUA, 2007. 97’ (LEP)

Mostra Midnight Movies

Nota: 6,0