Desejo e Perigo

Wang é uma jovem que entra na faculdade de Hong Kong durante a ocupação japonesa na China. Lá ela se envolve com um grupo que faz teatro político, encenando peças que tentam incentivar a resistência chinesa. Quando o sr. Yee, um chinês que agora trabalha para os japoneses, se muda para o local, o grupo decide elaborar um plano para matá-lo, por traição à pátria. Wang é então infiltrada na casa deles, tornando-se amiga da sra. Yee. Aos poucos o sr. Yee demonstra interesse por ela.

A grande polêmica em torno de Desejo e Perigo é se as cenas de sexo são reais ou encenadas. E este é o lado mais intrigante do filme: é difícil responder a esta pergunta, pelo modo como Ang Lee as rodou. Lee busca sempre um ângulo que revele mais do que o usual em cenas de sexo no cinema, mostrando os corpos de Tony Leung e Wei Tang, protagonistas do filme, mas deixando dúvidas se é realmente real ou uma encenação muito bem feita. Não é como em Nove Canções, onde há certeza absoluta de que o sexo filmado foi real. Este mistério que ronda o filme é mérito do diretor, que, com habilidade, rodou tais cenas de forma que provocassem justamente esta dúvida.

Mas Desejo e Perigo não é apenas cenas tórridas de sexo. Pelo contrário, elas são mais complementares do que o eixo central do filme. A trama do grupo de estudantes contra o sr. Yee, e seu desdobramento ao longo de 5 anos, é o tema principal. Apesar de ser uma história até banal, Ang Lee consegue fazer com que jamais se perca o interesse pelo que está por vir. O clima de uma Hong Kong da época da 2ª Guerra Mundial é recriado através de uma bela cenografia e figurino. Há cenas muito bem feitas, como quando Wang precisa ser iniciada sexualmente, para que seu disfarce junto ao sr. Yee não seja desmascarado.

É na 2ª metade do filme que surgem as cenas de sexo, quando Wang e o sr. Yee enfim se aproximam. Surge então a pergunta relacionada ao título: até que ponto o sexo em si, apenas ele, mexe com o sentimento de uma pessoa? Wang está lá por causa de uma trama para matar o sr. Yee, mas não é insensível ao que acontece. A cena em que explica seus sentimentos aos integrantes da trama é reveladora neste sentido. Até que ponto ela pode se manter fiel à sua missão, renegando tudo o que sente? A luxúria pode se tornar algo mais significativo? Estes são os grandes questionamentos do filme, o objetivo ao qual toda a trama é conduzida.

Desejo e Perigo é um bom filme, muito bem dirigido por Ang Lee. Apesar de sua história iniciar de forma um tanto quanto simplória, ela cresce junto com o filme. Porém peca por terminar um pouco depois do que deveria, cerca de 5 minutos apenas. Um final em aberto seria mais interessante do que algo que mostrasse o destino dos personagens.

Sim Senhor

Já está disponível no Adoro Cinema minha coluna sobre Sim Senhor, uma das principais estréias desta sexta. Para conferir, clique aqui.

Comentários, é claro, são muito bem-vindos.

Foi Apenas um Sonho

A publicidade vende este como sendo o reencontro de Leonardo DiCaprio e Kate Winslet, remetendo ao sucesso de Titanic. Sim, é verdade. Mas este é o único elemento em comum entre os dois filmes. Há aqui muito de Beleza Americana, também dirigido por Sam Mendes, mas sob outro enfoque.

A grande semelhança é o fato de que ambos mostram o vazio existencial que o americano médio possui. Não é a toa que ambos situam seus personagens na classe média: possuem uma vida confortável, filhos, família, emprego, mas não são felizes. O que falta então?

Falta a realização pessoal, falta saber que você gosta daquilo que faz ou que é, falta ser reconhecido. O que acontece tanto com o Lester Burham de Kevin Spacey, em Beleza Americana, quanto com a April Wheeler de Kate Winslet, neste filme. São personagens que, aparentemente, têm tudo o que todos desejam. Mas, em seu íntimo, sabem que isto não é verdade. Sabem que precisam buscar algo, pois o que possuem não lhes é suficiente.



April tenta, propondo ao marido que deixem sua vida de lado e partam para Paris. Passará a trabalhar e irá sustentá-lo, ela decide. Trata-se de um ato de desespero, motivado pela sua frustração - pessoal e profissional, é importante ressaltar. Uma espécie de última tentativa de ser feliz, mesmo que esta seja irreal ou ingênua.

Apesar de tratar do mesmo ambiente, Foi Apenas um Sonho segue um caminho bem diferente de Beleza Americana. E um dos motivos é que aqui há alguém que se importa com o personagem principal. Mesmo com seus defeitos, é inegável que Frank, interpretado por Leonardo DiCaprio, quer manter o casamento e ver sua esposa feliz. Lidar com isto e as diferenças de prioridades pessoais torna-se a grande questão, para ambos os personagens. Até que ponto vale insistir em um relacionamento? Até que ponto vale insistir com a vida? São questões levantadas pela história, cujas respostas são absolutamente pessoais mas cujo desenrolar em cena é perfeitamente plausível.

Bom filme, com belas interpretações de Leonardo DiCaprio e, em especial, Kate Winslet. As variações de humor demonstradas por ela em determinadas cenas mostram bem o porquê de ter ganho o Globo de Ouro.

Confira a coluna de Roberto Cunha sobre este filme

O Curioso Caso de Benjamin Button

Quando se fala em filme de Oscar, sempre se espera algo mais. Quando é o mais indicado de qualquer ano, espera-se mais ainda. Por este lado pode-se dizer que O Curioso Caso de Benjamin Button é uma decepção. Apesar de sua exuberância técnica, em especial na maquiagem e direção de arte, trata-se de um filme frio, com poucos momentos de real impacto.

Em parte por decisão do diretor David Fincher e dos roteiristas Eric Roth e Robin Swicord, que alongaram o máximo que puderam a história do personagem-título. Há trechos de sua vida, e até mesmo personagens, que poderiam ser suprimidos sem prejuízo à história. Notar estes excessos faz com que o filme, pouco a pouco, canse. É claro que a parábola sobre velhice e infância é interessante, em especial o modo como estes dois temas se intercalam, com situações típicas de uma criança quando Benjamin fisicamente é um idoso, e vice-versa. Trata-se, no fundo, de uma grande fábula, narrada em tom de "era uma vez...". A narração em off, usada sob o pretexto da leitura do diário, transmite esta sensação, assim como a própria direção de Fincher. Seja através da metáfora, como na situação do relógio, ou no tratamento da imagem de certas sequências, como as várias citações aos raios, tudo dá propositalmente a entender que a história narrada é fictícia. O que permite até mesmo algumas "licenças poéticas", já que não há um grande compromisso com a lógica, mesmo dentro da situação apresentada.

Outra questão é a falta de emoção transmitida por Brad Pitt ao longo de todo o filme. Pitt, que não é mau ator, é em muito auxiliado pela maquiagem de seu personagem, especialmente quando está envelhecido. Pode-se notar a construção do momento de vida de Benjamin através de seu olhar, mas este é insuficiente para emocionar. Cate Blanchett, com bem menos tempo em cena, consegue transmitir com muito mais facilidade a vivacidade e paixão de sua personagem. O que levanta a pergunta: por que Brad Pitt foi indicado ao Oscar? O ator já teve atuações melhores, como em Babel, que foram despercebidas pelas premiações em geral. A resposta talvez esteja em dois pontos: o fator do astro e o fato de que um filme com tantas indicações como este precisava de ao menos um representante na categoria de atores. Independente do motivo, trata-se de uma representação sem grande destaque.

Como um todo trata-se de um filme apenas mediano, mas produzido com grande preciosismo. Para categorias técnicas pode até ser suficiente, mas é muito pouco para o que se espera de um candidato ao Oscar de melhor filme.

Quarentena x [REC]

O cinema hollywoodiano vive em busca de filmes de sucesso de outros países, de forma que possam readaptar para sua cultura. Se for de terror então, é quase certo que haverá refilmagem. É o caso deste Quarentena, lançado apenas um ano depois do espanhol [REC].

A proposta do original foi mantida: explorar um clima de documentário, estilo A Bruxa de Blair. Só que aqui falta autenticidade, algo essencial para a história. Um dos aspectos mais interessantes de [REC] é o modo como as pessoas lidavam com o desconhecido, o que o tornava até mesmo um estudo sobre o medo. Para atingir este objetivo os diretores Jaume Balagueró e Paco Plaza chegaram a rodar cenas em que nem mesmo os atores sabiam o que aconteceriam, justamente para captar esta espontaneidade. Isto foi perdido em Quarentena, seja pelo elenco escolhido ou pelo próprio fato da história não ser mais original.

Há também mudanças significativas no modo como a estória é contada. O lado crítico ao jornalismo, existente de forma explícita em [REC], foi muito amenizado. Apesar da câmera continuar filmando tudo, não há mais tanta insistência no lado voyeur da situação, até mesmo de explorar comercialmente o ocorrido. A protagonista - Manuela Velasco no original, Jennifer Carpenter aqui - passou por mudanças conceituais. O lado tedioso da cobertura no corpo de bombeiros é meio escondido, sendo substituído por uma série de piadas sexuais entre a jornalista e os bombeiros. A personagem aqui não demonstra tanto a ambição em crescer na carreira, algo essencial também para a crítica ao jornalismo, e tem uma postura mais ativa no sentido de ajudar aos outros dentro do edifício. Ou seja, tornou-se menos egoísta. Só que era justamente esta característica que a tornava interessante diante da história, pois estava ali primeiro a jornalista e depois a pessoa. Esta crítica quase que desaparece em Quarentena.



Há também um maior enfoque em cenas de choque, como a morte do rato e o close na perna quebrada. Todas desnecessárias para criar um clima de suspense, mas que atendem a uma certa necessidade do cinema hollywoodiano de terror em impressionar de forma explícita. [REC], sem mostrar algo neste sentido, consegue criar um clima muito mais claustrofóbico e envolvente. E também não denuncia, ao menos não de forma tão previsível, qual é o rumo que a história toma.

No embate entre os dois, o original vence com sobras. Quarentena nada mais é do que uma mera tentativa em obter dinheiro fácil, enquanto que em [REC] ao menos pode-se notar uma proposta no que é apresentado ao espectador.

Marley & Eu

Certos filmes são para serem sentidos, não vistos. O estado de espírito por ele proporcionado é maior do que sua qualidade artística, sejá lá qual for o enfoque desejado. São os que chamo de "filmes afetivos", aqueles que não são primorosos nem originais mas que, por algum motivo de sua vida, fazem com que você seja afetado.

Acredito ser impossível que alguém que já tenha tido um animal de estimação - peixe e pássaro não valem, me refiro aos que se pode brincar e não apenas apreciar - não se veja em alguma cena de Marley & Eu. Sim, a história é simples e corriqueira: um casal passa a ter um cachorro em substituição a um filho e este passa a observar, e participar, do amadurecimento e desenvolvimento de toda a família. Os valores familiares estão lá, a velha questão da interferência do trabalho, os problemas do convívio... tudo já visto antes, mas refeito de forma muito competente. Jennifer Aniston e Owen Wilson convencem em seus papéis, em especial na metade final, e o filme dosa bem momentos engraçados com outros lacrimejantes. Sim, lacrimejantes. É bom levar um lenço para a sala de cinema. É bem provável que você precise.

Muito bom filme.

Saiba mais sobre este filme em sua ficha no Adoro Cinema

RocknRolla - A Grande Roubada

Um chefe da máfia russa, estabelecido há pouco tempo em Londres, negocia com um veterano do crime local uma vultuosa transação. Como mostra de confiança ele oferece por empréstimo seu quadro favorito, o qual é roubado. É o início de uma perseguição desenfreada, que envolve um ídolo do rock considerado morto, um político corrupto, uma contadora sedutora e ainda pequenos e ambiciosos ladrões.

Guy Ritchie explodiu de vez com "Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes" (1998), onde explorava uma linguagem estilizada, na trilha sonora e na edição. Funcionou, graças também ao roteiro inteligente e à ambientação do mundo do crime britânico. Aqui Ritchie tenta repetir a fórmula, mas com menos competência. Há boas sacadas, como a do lagostim assassino e do isqueiro, além de belas atuações de Tom Wilkinson e Mark Strong. Mas há também uma série de piadas homofóbicas que, analisando no filme como um todo, não tem grande importância à história. Até geram algumas boas cenas mas sempre buscando o riso fácil, pelo inusitado que o homossexualismo ainda produz em nossa sociedade e, no caso em questão, no mundo do crime.

Destaque para a cena do assalto sem armas e também para a óbvia referência ao multimilionário Roman Abramovich. A 1ª cena em que aparece, em um estádio de futebol, é uma citação explícita ao Chelsea, clube o qual Abramovich é dono. Por outro lado há o final patético, com um gancho escancarado para uma futura seqüência.

Não é um filme ruim, mas é o mesmo Guy Ritchie que você já viu. Só que pior.

Nota: 5,5

Delta

Mihail retorna à sua terra natal e decide construir uma casa sobre palafitas, com a ajuda de sua irmã. A aproximação dos dois e questões familiares farão com que enfrentem problemas junto à pequena comunidade em que vivem.

O cinema do leste europeu tem por característica a crueza de suas histórias, vide o ótimo 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias, exibido no Festival passado. Este filme, uma co-produção húngaro-alemã, segue o mesmo caminho - e com qualidade. A cena do estupro da irmã pelo padrasto é impactante, pela realidade com que é mostrada e por sua exibição através de um plano distante, que permite ao espectador acompanhar tudo o que está à volta do acontecimento. O final, mais cruel ainda, segue o mesmo estilo.

Algo que chama bastante a atenção é a praticamente inexistência de mulheres na comunidade retratada. O que até pode explicar, mas jamais justificar o ocorrido. Afinal de contas o ser humano possui inteligência também para conseguir dosar, ou controlar, seus instintos. Bom filme.

Nota: 6,5

Gomorra

Um olhar sobre a Camorra, o mais conhecido grupo mafioso da Itália, que expande sua atuação pelos mais diversos negócios ilícitos. Vencedor do Grande Prêmio do Júri no Festival de Cannes e indicado pela Itália como seu representante ao Oscar 2009 de melhor filme estrangeiro.

Talvez o grande problema de "Gomorra" não seja o filme em si, mas sua imediata associação com a realidade brasileira. Por mais violenta e ampla que seja a atuação da Camorra ela parece pequena perto do que vemos constantemente no Brasil, em especial no Rio de Janeiro. A realidade de Tropa de Elite e Cidade de Deus, apenas para ficar nos exemplos mais famosos do nosso cinema, é muito mais dura e cruel. Com isso o filme deixa a impressão de que se trata de brutalidade para europeu ver, ou ao menos o nível de brutalidade ao qual este está acostumado. O que já é bastante grave, mas bem menor do que acompanhamos em nosso dia-a-dia.

De resto o filme apresenta a variedade dos negócios da Camorra, assim como o treinamento de adolescentes para que integrem seus quadros. Nada de realmente novo, mais uma vez. Existem várias sub-tramas que buscam mostrar este caleidoscópio, sem que quaisquer delas ganhe grande importância dentro do filme. Chega um ponto em que "Gomorra" pode terminar com qualquer uma delas, pois o objetivo da denúncia dos atos ilícitos já foi alcançado. Cansativo.

Nota: 4

CSNY: Déjà Vu

A banda Crosby, Stills, Nash & Young se reúne em 2006, para uma turnê que tem por objetivo denunciar os abusos do governo George W. Bush em relação à Guerra do Iraque.

Desde que Michael Moore decidiu atirar contra o governo Bush em Fahrenheit 11 de Setembro tem se tornado comum este tipo de documentário, que busca denunciar ou denegrir o atual presidente dos Estados Unidos. Não que ele não mereça ou que o tema não seja relevante, mas a repetição do formato começa a cansar. Aqui ainda há o acréscimo da reunião do CSNY, o que inclui diversas cenas de shows, incluindo a desde já antológica canção "Let's Impeach the President for Lyin' ".

O que se vê é um documentário convencional, que mostra bastidores da turnê e alguma comparação da atual Guerra do Iraque com a Guerra do Vietnã, também combatida pelo CSNY na época do Festival de Woodstock. Destaque para as reações de espectadores após alguns dos shows da banda, pelo apoio e rejeição recebidos. Alguns dos depoimentos chegam a surpreender não pelo que é dito, mas pela idade das pessoas que os pronunciam. É de se pensar até que ponto vai a alienação do povo norte-americano e, por outro lado, até que ponto esta idéia é vendida pelo próprio filme.

Cansativo e recomendado apenas para os fãs da banda. A quem se interessar em conferir o videoclipe da música citada, basta clicar aqui.

Frases de Destaque:

"Eles não procuram aplauso barato diante de uma platéia estrangeira."

"Quando estava no exército eu não tinha opinião e nem podia ter."

Nota: 4

O Visitante

Walter Vale é um professor enviado por sua universidade à apresentação de um livro o qual é co-autor, apesar de não ter participado de sua produção. Ao chegar em Nova York é surpreendido ao descobrir que em seu apartamento, o qual não visitava há meses, agora tem como hóspede um casal de imigrantes ilegais.

Nem só de boas intenções se faz um filme. "O Visitante" até é simpático, mas peca por sua visão extremamente ingênua sobre a realidade norte-americana. O choque cultural, situação óbvia ao ler sua sinopse, é explorado através da música, elo de ligação entre estes dois mundos. Aos poucos Walter torna-se visitante em sua própria casa, uma situação que ele próprio aceita devido à sua extrema solidão. Este por sinal é o enfoque mais atraente do filme: o quanto o ser humano necessita de alguma atenção, venha de onde vier.

Entretanto é difícil aceitar a rápida integração de Walter com seus inesperados hóspedes e, mais ainda, certas situações absolutamente inverossímeis nos Estados Unidos pós-11 de setembro. E eis um ponto interessante: o roteiro faz questão de situar historicamente a trama, ao ressaltar a derrubada do World Trade Center, mas esta é uma cena gratuita, sem grande relevância. Ver cartas serem mostradas aos presos sem qualquer averiguação prévia ou a facilidade de contato de dentro da prisão já seriam inviáveis numa situação normal, mas tornam-se ainda mais quando se conhece ao menos um pouco do que seja a imigração norte-americana atual. Chega a ser uma visão quase infantil, de quem pouco conhece - ou deseja mostrar - o que é o mundo à sua volta.

Para quem deseja conhecer um pouco mais sobre o assunto sugiro o telefilme Strip Search, exibido com alguma regularidade na TV a cabo.

Nota: 5

A Múmia - Tumba do Imperador Dragão

Já está disponível no Adoro Cinema minha coluna sobre A Múmia - Tumba do Imperador Dragão.

Assista por sua conta e risco.

Clique aqui para conferir a coluna.

Ao Entardecer

Certos atores mereciam mais destaque, pela competência de seu trabalho. É o caso de Claire Danes. Após despontar em Romeu e Julieta, a atriz já demonstrou qualidade em filmes como Garota da Vitrine e A Bela do Palco. O problema é que ambos foram pouco vistos. Danes até estrelou blockbusters em potencial, mas neles seu desempenho sempre fica em 2º plano. Resultado: pouco a pouco tem entrado no rol dos coadjuvantes de luxo, aqueles que volta e meia roubam a cena em papéis menores mas que raramente obtêm destaque quando o filme gira apenas em torno de si. Uma situação que, até pouco tempo atrás, tinha como maior ícone Philip Seymour Hoffman.

Este é outro destes pequenos filmes em que Danes se destaca. Bela, desenvolta e carismática, ela dá a Ann Grant a vivacidade que a personagem necessita para que se possa compreender seu sentimento na velhice. E ainda por cima revela uma faceta até então desconhecida: Danes canta, e muito bem. É delicioso ouvi-la cantando "Time After Time", da dupla Sammy Cahn e Jule Styne, na cena do casamento. É daqueles momentos que, por si só, já valem a ida ao cinema.


"Ao Entardecer" é um filme que aborda com propriedade a questão do grande amor que não foi vivido com a duração que merecia. Ignore a rapidez com que brota a paixão entre Ann e Harris, pois esta é a típica situação que nunca tem hora marcada nem intensidade medida para acontecer. As lembranças da Ann já idosa, revelando que Harris foi a grande paixão de sua vida, deixam uma pergunta no ar: esta sensação existe pela força do sentimento ou apenas pela não realização de uma situação sonhada?

A resposta está dentro de cada um. Mal comparando, é meio como o final de Antes do Amanhecer: a opção escolhida revela o quão romântico(a) você é. Bom filme, com destaque também para as atuações de Vanessa Redgrave e Hugh Dancy. Estréia nos cinemas nesta próxima sexta.

Nota: 7,5

Saiba mais sobre Ao Entardecer no Adoro Cinema

Uma Garota Dividida em Dois

Gabrielle Deneige é a “garota do tempo” de um telejornal. Um dia o consagrado, recluso e casado escritor Charles Saint-Denis vai ao estúdio para gravar uma entrevista, onde eles se conhecem. Logo estão tendo um caso. Ao mesmo tempo Gabrielle é assediada por Paul Gaudens, o mimado herdeiro de um famoso laboratório.

Ludivine Sagnier não é má atriz, mas ultimamente tem se repetido nos filmes. Aqui ela mais uma vez faz uma jovem belíssima, que deixa todos os homens à sua volta de queixo caído, mas sua personagem não vai muito além disto. Em certos momentos parece até um bibelô, algo que está lá apenas para enfeitar. Não que seja desagradável vê-la em cena, longe disto, mas sempre espera-se um pouco mais de quem pode dar este retorno. Neste Uma Garota Dividida em Dois ela está bem apática.

O filme recria a proposta do triângulo amoroso, com a personagem de Sagnier como elo central: apaixonada por um escritor que apenas a vê como mais um caso e assediada por um playboy mimado que a quer de qualquer jeito. De início o filme tem um tom cômico, principalmente pelos trejeitos e caprichos de Paul Gaudens - Benoît Magimel, o melhor em cena -, mas aos poucos migra para o drama e termina como um policial. A última mudança é bastante brusca, fazendo com que o filme mude o foco para um escândalo que é tratado de forma bem conservadora - nada é mostrado e muito pouco é até mesmo dito. Para completar há uma analogia barata relacionada ao título em seu desfecho, que é péssimo.

Uma Garota Dividida em Dois é daqueles filmes que até começam bem, com elementos interessantes, mas que perde força à medida que a trama se desenvolve. Apenas mediano.

Nota: 5,5

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Batman - O Cavaleiro das Trevas

Já está disponível no Adoro Cinema a coluna sobre Batman - O Cavaleiro das Trevas, o aguardado lançamento desta sexta.

Como sempre, os leitores têm inteira liberdade para opinar aqui no blog. Aproveito para lançar uma pergunta: será este filme superior a Batman Begins?

Minha opinião vocês podem encontrar na própria coluna.

Clique e confira a coluna sobre o filme.

Pequenas Histórias

Uma série de “causos” do interior, envolvendo personagens da cultura popular brasileira, contadas por uma mulher que costura na varanda de uma fazenda.

Um filme bem ingênuo, nostálgico, que busca resgatar um pouco da cultura do interior do país. São 4 as histórias apresentadas: da Iara, da procissão das almas, do Papai Noel e de Zé Burraldo. Todas são contadas pela personagem de Marieta Severo, que olha e conversa com o público durante a projeção, numa tentativa de criar um elo com quem está assistindo. Todas são histórias simples, agradáveis de se ver, algumas com elementos que provavelmente o espectador já leu ou ouviu falar. Destaque positivo para a de Zé Burraldo, a mais divertida e que conta com a boa atuação de Gero Camilo, e negativo para o desfecho da história do Papai Noel, bem contraditório.

É mais voltado para o público infantil, apesar de que tenho sérias dúvidas se as crianças de hoje, acostumadas com os Pokémons da vida, teriam interesse por algo tão simples e singelo.

Nota: 6,0

Saiba mais sobre Pequenas Histórias no Adoro Cinema

O Advogado do Terror

O título pode causar uma falsa impressão sobre este filme. Trata-se de um documentário que aborda a trajetória de Jacques Vergès, advogado francês. O terror na verdade se refere a terrorismo, mais especificamente a muitos dos clientes de Vergès ao longo de sua carreira. Um personagem multifacetado e polêmico, apresentado pelo diretor Barbet Schroeder através de depoimentos do próprio Vergès e de pessoas de alguma forma relacionadas a ele.

Um mérito do filme é não buscar a glorificação de seu personagem-tema, como acontece em muitos dos documentários dedicados a personalidades. Vergès em vários momentos é contestado e há até um interesse em desvendar fatos obscuros de sua vida, que o próprio se recusa a contar. Ou seja, este não é um filme "chapa branca". Só que é extremamente chato, pelo didatismo como tudo é apresentado e sua longa duração - 135 minutos, excessiva para o gênero. Chega num ponto em que há tantas minúcias, várias delas desnecessárias para o bom entendimento da história, que o filme cada vez mais se torna massante. E tudo embalado por uma trilha sonora que tenta, sem sucesso, criar um clima de suspense.

O lado histórico até gera algum interesse em certos trechos, principalmente quando se aborda a guerra na Argélia. Mas é o máximo que o filme consegue e, mesmo assim, para quem tem algum interesse no assunto. Sobre este tema, por sinal, recomendo o muito superior - e citado neste filme - A Batalha de Argel, de Gillo Pontecorvo.

"O Advogado do Terror" estréia em circuito limitado nesta sexta, com lançamento da Imagem Filmes.

Saiba mais sobre O Advogado do Terror no Adoro Cinema

Kung Fu Panda

As animações da DreamWorks costumam se alternar entre as sátiras, como Shrek, e as mais infantis, como Madagascar. "Kung Fu Panda" está mais para a 2ª opção, por novamente apostar em animais bonitinhos falantes em situações atrapalhadas. As lutas seguem o estilo das artes marciais, com todos os exageros e trejeitos que isto traz. Normal, afinal de contas esta é a proposta do filme. O que pesa para quem tem mais idade é a simplicidade e obviedade da história.

Por outro lado há uma proposta visual bastante interessante, na mistura entre a animação computadorizada com uma animação que lembra o desenho "Samurai Jack", exibido até pouco tempo atrás no Cartoon Network. A brincadeira com a logomarca da DreamWorks e o sonho de Po, logo no início do filme, seguem este estilo, meio mangá. Em outros momentos não ocorre uma mudança tão drástica mas percebe-se que a animação fica sombria, o que ajuda a história. A fuga de Tai Lung é um destes casos, que alia também a melhor cena de ação do filme.

Não é um filme ruim, mas provavelmente agradará mais aos filhos do que aos pais. Mas estes fiquem tranquilos, ver "Kung Fu Panda" está longe de ser um sacrifício.

Saiba mais sobre Kung Fu Panda no Adoro Cinema

Fim dos Tempos

M. Night Shyamalan é uma vítima de seu próprio sucesso. Consagrado com O Sexto Sentido, o diretor desde então tenta repetir a dose usando a mesma fórmula, ou pequenas variações dela. Seus filmes são marcados pelo tom de suspense psicológico, com elementos inusitados e uma reviravolta no final. O problema é que, de tanto usar estes conceitos, Shyamalan tem se tornado repetitivo. Não pelo tema abordado, mas pelo formato usado. O público já espera que seus filmes sejam assim, o que se por um lado auxilia na expectativa - ou não - gerada por outro faz com que o diretor torne-se prisioneiro de um estilo que ele mesmo criou.

O início de "Fim dos Tempos" é puro Shyamalan: misterioso, inusitado, estranho. Em um parque as pessoas simplesmente ficam paralisadas e, após reações anormais, começam a se matar. A causa deste evento é a mola-mestra da história, mas não é tão importante assim. Ela serve mais como desculpa - um tanto quanto esfarrapada, diga-se de passagem - para que o diretor trabalhe a questão da paranóia diante do desconhecido. Pois todos os presentes na trama não têm a menor idéia do que está acontecendo nem o que devem fazer. O desespero e a sensação de fazer algo, mesmo sem ter alguma lógica ou certeza de que dê certo, movem os personagens. Chega a ser algo até mesmo instintivo em determinados momentos, apesar dos envolvidos jamais chegarem a situações animalescas.

Shyamalan é habilidoso em criar ambientes envolvendo o desconhecido, mas recai em situações-clichê do suspense. Como os jovens que repentinamente ganham destaque ou a vilã que surge, já na metade final da história. Ainda assim não são exageros, apenas situações de certa forma antecipadas, que funcionam também devido à sua curta duração: apenas 91 minutos.

Além disto espera-se ao longo de todo o filme uma melhor explicação do que está acontecendo, algo que o diretor não oferece ao público. Uma situação que tem provocado reações indignadas e muitos protestos nas salas de cinema. Entendo a razão dos que reclamam, apesar de considerar aceitável o desfecho encontrado. Não é ele propriamente que me incomoda, mas certas situações criadas - dizer mais seria contar detalhes importantes do filme.

Como um todo, trata-se de um bom filme. Chama a atenção a exagerada censura de 16 anos por aqui, e R nos Estados Unidos, e o contraste da participação de M. Night Shyamalan na história em comparação com sua presença em A Dama na Água. Para quem não notá-lo em cena, atenção aos créditos finais.

Confira a ficha de Fim dos Tempos no Adoro Cinema

A Outra

Não é de hoje que fatos históricos da Inglaterra são levados ao cinema. "A Outra" apresenta a história do nascimento da igreja anglicana, criada a partir da cisão do rei Henrique Tudor (Eric Bana) com o Vaticano, tendo como foco central a família Bolena. Ou melhor, o antagonismo existente entre as irmãs Ana (Natalie Portman) e Maria (Scarlett Johansson), esta última pouco citada pelos livros de história.

Pouco citada porque pouco se sabe sobre a história real de Maria Bolena. Aqui se usa o mesmo artifício de O Último Rei da Escócia, ao utilizar personagens verídicos em uma história fictícia. Ou pelo menos alterada, já que Philippa Gregory, autora do livro o qual o filme é baseado, deu enfoque maior ao triângulo amoroso entre as irmãs e o rei, recheado de intrigas e jogos de sedução. Diante disto a cisão com o catolicismo é mencionada como uma consequência sem grande importância, o que se por um lado tira do filme o caráter didático por outro faz com que ele se torne um drama banal de disputa amorosa.

Com figurino e direção de arte bem cuidados, algo básico em qualquer filme britânico de época, "A Outra" não traz grandes atrativos. O duelo entre Natalie Portman e Scarlett Johansson é vencido com sobras pela primeira, devido ao carisma de Portman e também ao ar quase sempre assustado de Johansson. Já Eric Bana faz do seu Henrique Tudor um rei teimoso e orgulhoso, que conduz sua vida e reinado de acordo com seus instintos e nada mais.

Como lembrança das aulas de história "A Outra" até tem alguma relevância, apesar destas mudanças sempre colocarem em dúvida a veracidade do que é exibido em cena. Como filme é apenas mediano.

Confira a ficha de A Outra no Adoro Cinema